这个片子主人公是虚构人物,但台词和故事高度贴合20s好莱坞时代背景,和《好莱坞往事》类似,属于了解那段八卦的人会越看越兴奋到处都能找到熟悉的名字,不了解的越看越懵感觉很冗长。列一点想到的/查到的背景和梗,先不争论这种内部梗过多算不算导演自嗨,就当是梳理给对这部电影感兴趣的人,看个乐子。
1、女主原型:20年代女明星Clara Bow
这个信息很多地方都有。Bow是默片时代女星,纽约穷人出身,经过很短的培训后就开始从影,20年代红极一时,把(比较拉跨的)父亲带到好莱坞住,在默片时代过去后风光不再郁郁而终,这个和片中女主都是符合的。
她比较出名的就是妆造很有特色,是后来的动漫形象Betty Boop的原型人物。Bow的经典银幕形象是性感女孩,及时行乐,享受恋爱。她这个人设也和当时一战后大繁荣的狂飙年代整体的社会氛围(起码在好莱坞是这样的)互相成就,很典型的flapper girl。
2、男主原型:20年代男明星John Gilbert
Gilbert是米高梅大明星,帅哥大男主。默片转有声电影之后同样风光不再,一说主要是因为嗓音比较柔和,和之前深入人心的银幕形象不符。当时遇到这种情况的默片明星还挺多的,毕竟默片时代观众听不到嗓音,会脑补一个比较贴合人物的声音,结果有声片一出来,发现真人声音和想象的落差太大的话,肯定会失望。
还有一说是Gilbert声音没有问题,是因为他得罪了米高梅大老板Mayer(一个毁人不倦的大独裁老板),Mayer授意录音师把他的声音调得又高又尖,恶意毁掉他的事业。
他还有个事迹是和冰美人嘉宝谈恋爱,结果结婚现场女方反悔,给他造成很大打击(嘉宝真的是挺冷的)。多种因素吧,他最后也意志消沉,38岁就酗酒过度,心脏病去世了。
3、宴会上意外去世的女孩
电影比较靠前的大party戏中,一个胖演员和一个女孩在一起玩耍,后来女生离奇死去。这个情节的原型应该是20年代好莱坞很著名的Roscoe Arbuckle谋杀案,简单说就是在著名的喜剧演员Arbuckle的宴会上,一个女演员离奇去世了。当时关于女生的死因谣言满天飞,有说Arbuckle侵犯女生导致的(他本人体重比较大)。但经过三次轰动全国的公审,调查出女生应该是堕胎导致的感染去世,Arbuckle被宣告无罪释放,不过他本人的演艺事业也就此画上句号了。
这个大案所导致的后果比较严重。当时好莱坞还有其他几起类似情况的死亡案件,经过媒体夸张的宣传,就给大众留下一种“好莱坞穷奢极欲、道德粪坑”的印象。电影行业为了自救,开始进行道德自治,就有了后来的海斯法典用以规范电影的内容,进行道德伦理审查。也能在片子后半段看出来,大家明显都开始变得礼貌客气(好莱坞道德历来就是墙头草🙈)
4、报业大亨Hearst和他的情人
上一段里说到的大肆报道宣传好莱坞八卦的媒体,主要就是Hearst和他的报业帝国,他靠报道上面的 Arbuckle谋杀案卖了不少报纸,这个人物在片中也有出现。他是《公民凯恩》的原型,也是前几年大卫芬奇的电影《曼克》里重点描写的人物。
他的情人是漂亮女演员Marion Davis,在电影里出现在女主发疯的那个高端人士聚会上,形象是个漂亮精致的金发女郎。她被好莱坞同事们赏识主要是因为派对表现非常活泼,但一拍电影她就紧张,且说话结巴(片中也有提及)。Hearst找各种办法给情人推资源,但是结果一般,最后她在Hearst去世几年后和别人低调结婚。
5、好莱坞的华人女星
片中的华人女星很出彩,会写字幕卡会唱歌还能杀蛇。这个角色应该是致敬当年好莱坞知名的华人女星黄柳霜(Anna May Wong)。她本身是三代美国移民,出生在洛杉矶一个华人洗衣店家庭,会说中英法德四国语言,在30年代出演很多电影中出彩的华裔配角。当然,由于当时好莱坞种族歧视严重,她的从影道路也遇到很多困难,也曾像片中的华人女星那样去欧洲闯荡。这位姐姐长得美丽又神秘,多放几张照片~
6、米高梅大制片人Irving Thalberg
片中出现的制片人Irving,也就是男主糊掉之后给他打电话拜托他救急的那个。他是把米高梅变成主流大制片厂的关键人物,一个天才+工作狂,37岁就去世了。
7、默片时代美艳diva:Gloria Swanson
电影里的战争戏片场,男主打电话给Gloria Swanson让她帮忙联系演员。
这位老姐姐默片时代演美艳大女主成为巨星,有声时代沉寂了一段时间后又复出,还靠演《日落大道》女主提名奥斯卡(演的也正好是个过气默片明星),算是默片明星中结局比较好的。她本人性格应该是不错,看过她五六十年代的电视喜剧作品,很洒脱放得开。
8、喜剧明星基顿及劳埃德
卓别林、基顿和劳埃德是默片时代三大喜剧明星,卓别林胜在作品的社会性强,在有声时代依然坚挺;基顿出身杂耍剧院,特效设计和动作戏非常惊艳,安利《福尔摩斯二世》和《将军号》;劳埃德以拍摄惊险场景出名(《安全至下》)。
9、《爵士歌手》的上映:默片明星们的噩梦
片中男二(年轻电影人Manny)去看了一场电影,现场观众反应很热烈,结束后他飞快跑到电话亭给男主打电话汇报这部电影的情况。这部电影的消息之所以重要,是因为这是第一部使用有声对话的电影——1927年的《爵士歌手》,也就是第一部真正意义上的有声片。当时的默片电影人翘首以盼这部片子上映之后的反响,以判断未来的电影行业方向(有台词水平不太好的女演员看完观众这么热烈的反应,出来直接哭了,觉得自己前途一片黑暗)。这部电影是当年票房冠军,也宣告了有声时代的来临。
10、默片转有声电影的大变天
像片中男女主这种一夜跌落神坛的情况,在当时真的太普遍了。默片时代的大明星,在有声时代来临后的银幕幸存率低得可怕。除了上面说到的嗓音问题,还有片中展现的收音、音效制作技术不成熟,导致大家都很难适应。刚入行不久的年轻人转型还比较快(比如Joan Crawford),已经习惯默片制作方式的成熟演员就不行了。
同样,片中男女主的结局在当时也不少见。那个年代来好莱坞闯荡的年轻人很多都原生家庭较差,没经过太多教育,又骤然经历一夜成名、暴富和穷奢极欲的生活,在默片时代过去、往日风光一去不复返之后,很多都很难承受打击,意志消沉、酗酒、精神出问题甚至意外去世的不少见。
11、反复出现的《雨中曲》元素
片中男主被拉去拍夸张滑稽的《雨中曲》短片,他还挺不情愿。这首主题歌最早在1929年第一次在电影中出现。后来片尾男二故地重游,看了1952年上映的《雨中曲》。这部电影讲的也恰好是默片男明星进入有声时代遇到职业障碍、年轻女演员帮他找到突破口重振信心的故事,里面男主的有声电影音效奇怪、上映后遭遇观众哄笑,这个电影画面也在本片中出现,让男二忆起往事,泪流满面。
不过《雨中曲》本身是个轻松愉快的经典音乐喜剧,没看过的可以补补~
先想到这些比较大的,如果我之后二刷的话再补。
今天早上看到一个朋友圈,说去西部支教,本来抱着改变当地教育的理想
没想到被学生给改变了,有个男孩天天台球喝酒骑摩托,也考上了高中
放假蹭车去拉萨,像武侠小说里的人一样边玩边结识朋友
他们没有什么见世面的需求,在小县城的生活也一样生命力十足
这几年经历这么多事,很多人对于所谓“做题家”改变命运早就嗤之以鼻
一方面是客观上不太可能,“过上好日子”再也没有路径依赖
另一方面对好日子的定义也越来越分裂,到底什么是幸福、满足、快乐
大家都在寻找答案,再进一层,我问过朋友,快乐一定是要正面的嘛?
如果我没有伤害到任何人,我可以尽情放纵吗?也许这是个伪命题,再往下讨论更没完没了
回到巴比伦,比好莱坞往事更加浅薄张狂,电影艺术的理由让一切人物的疯狂有了支撑
但我觉得和电影没太大关系,这拨红楼梦中所称的清气和浊气中的人, “置之于万万人中,其聪俊灵秀之气,则在万万人之上;其乖僻邪谬、不近人情之态,又在万万人之下。”
套用一句最俗套的话,他们不疯魔不成活,
他们要创造、要表演、要把自己的灵魂大开大合
能量则来自疯癫、酒精、赌博和性
他们是火,要把自己的命快快烧掉,这样过一生,也可以吧?
让我们设想这样一个场景,当你注视着一副移动的影像,位于画面中心的人在某一瞬间与其周围环境的动势截然相反,你的眼睛该望向何处?这是达米安·查泽雷新作《巴比伦》的开场片段中的一个镜头序列,当一个纯粹的理想主义者(理念)从环绕着其的骄奢淫逸的环境中霎时脱离出来,突然间它的舞动从其周围肉体的颤动中脱颖而出,变成一种纯粹的行动,这是电影的本质,也是其化腐朽为神奇的魔咒。
在电影的这一片段中,男主处于这个被设想的场景中我们的位置,望向的正是在这穹顶高耸的深宅中陡然升起的明星,某种意义上其也正是在十九世纪末悄然发迹的电影的象征。正如电影中稍显“漫长”的开场片段,电影自其诞生便与肮脏与淫欲相伴相生,淘洗下层层污泥才使耀眼的明星得以诞生,与其说查泽雷在《巴比伦》中所做的是对于默片时代的一次回望,倒不如说查泽雷试图揭露的是电影从诞生之初便具有的恋物性。查泽雷对于电影创作本身的喜剧化表达是一种自觉的自反性,其间的死亡与混乱成为电影创作的主调,但正是这种混乱与无序造就了难以预测的意外(喜剧桥段)与疯癫的创造性(一种不道德的说法),而这种踏着血色轨迹的电影创作的成功与电影的主题暗合,形成了对电影体系本身的一种嘲讽。从这个角度上讲,这部电影是勇敢的,它敢于呈现“真相”的非真实以及“非真实”的真相,无论这种揭露正确与否,它首先形成了一种自省,一种源于媒介的本身的自省亦即媒介的自反性。
查泽雷在电影中达成的是一种近乎混乱的群戏,各色人等杂乱无章的堆砌在一起,在每个需要他们出现的地方显形,一种功利的创作模式,在这里不存在人物,只存在模型(某种对布列松的“模特”概念的转制),如沙盘上的兵人游戏,《巴比伦》是对曾存过的历史的转制与模拟,与昆汀的“历史修正主义”不同,查泽雷的创作在于对历史的转译(将其转变为现代人所理解的版本),重新从历史中发掘出其需要的内容,并将其重组,这是一种现代性的创作方式,减少对剧情中的逻辑性与合理性的关注,转而关注其表意的完整性,这样的创作近乎一种断代史,他将自己的目标锚定,枝叶庞杂的情节在其间发展壮大,成为自行发展的系统,只要维持框架的完整便维持了表意的完整性。所以说,在这里情节只是基于框架的创作,重要的是情绪的递进与转变,查泽雷巧妙的掌握了几次离去/消亡的场景,将其简洁地表现为仅仅是向前或向后的动作,疾走、缓步、轻盈地舞动、抑或是疾驰而去,一个形象的创作到这里才算是塑造完成,离去比他们的到来更加重要,因为道别的时刻更具有历史性,静谧的挥手作别,吹奏、枪响、隐没在黑暗中、在影院中放声痛哭,当雨中曲再度响起,过去与未来的影像映入脑海中,男主眼睛兼具一部摄影机的责任,他的任务是记录与畅想,霎时间他又回到对电影最初的热忱中,也就是我们最初设想的场景,但在这里他闭上了眼睛,他行使的是眼睛最重要的职能——流泪,摄影机从影像中返还,越过享受影像的观众(你,我?)降落在男主的脸上,涕泗横流,难以名状的神情,影像的闪烁照亮泪痕的晶莹(一幅肖像?一个具象化了的总体?抑或是安娜·卡里娜投影?),这是影像背后的故事,一切内容凝滞在他的面孔中,这一切也许只是断片似的回忆(影像自身的回忆?),随后陷入黑暗,影像的终结?!一如巴比伦的空中花园,大厦将倾!
(塞这里是因为短评放不下了)
一场混合着屎尿屁的自以为是的闹剧,还有各种自我感动式的致敬,莫名其妙的伤感缅怀。
导演真的好懂电影噢,好棒棒噢,要给他送锦旗吗?旧坞黄赌毒版逐梦演艺圈是吧,像毕导拍的是“最真实”的演艺圈一样,导演拍的想必也是“最真实”的“已死”的电影圈吧。三个小时除了混乱以外还有什么,毫无意义地争吵、死人,什么都想拍,什么都没拍好,连爱情都能拍烂……完全不知道导演想把这个片子给谁看,不管从影视幕后人员、演员还是观众的角度都感觉不到尊重和用心,还有谁能解释一下为什么罗比能吐得像在演惊声尖笑版驱魔人一样,别再演疯子了求你了。
最后的最后,这段影史混剪是全片最大的败笔!整部电影完美诠释了什么叫首尾呼应,从头烂到尾!如果一部电影可怜到要靠前人混剪来升华全片拉高评分,那它就是屑!干脆所有导演不拍电影了,去做混剪up主好了。强行塞这么一段在片尾,不会让我觉得,哇噢这部电影好有内涵,好不一样,只会让我觉得,这部电影和这些影史经典比起来,更!烂!了!无声片到有声片有那么多故事可拍的,非要揪着《雨中曲》不放是吗,我甚至没看到片里的“演员”拥有了什么成就(除了狂开淫乱趴以外),瞬间就又过气了,怎么,他们这样就值得怀念了?话说回来,罗比的条件放默片时代绝对糊得一塌糊涂,再不想看她演疯子的电影了。
本文翻译自 What’s Fact and What’s Fiction in Babylon, the Star-Studded New Movie About Early Hollywood 原作者:Hilary A. Hallett
《巴比伦》是这样一部电影,它将镜头对准了那些追随美国早期电影工业的男男女女,他们追随着荒芜的洛杉矶荒漠小镇,亲眼见证它一步步成长为名为“好莱坞”的文化巨头。本片由达米恩·查泽雷(《爆裂鼓手》、《爱乐之城》、《登月第一人》)导演及编剧,以色彩饱和度极高的2.39:1宽银幕变形镜头拍摄,摄影师莱纳斯·桑德格伦(《爱乐之城》、《登月第一人》、《007:无暇赴死》)掌镜,精心描摹了早期的电影工业世界,并再现了曾经电影的制作流程。本片除了有“千人阵容” (cast of thousands) 参演的高概念之外(这也是1926版《宾虚》设计的广告词,而这部电影也同样用这千人阵容“再现”了《宾虚》的拍摄过程),本片的主要演员有饰演主角的迭戈·卡尔瓦(墨西哥裔新人演员)、玛格特·罗比(《时空恋旅人》、《好莱坞往事》、《自杀小队》)、布拉德·皮特(《燃情岁月》、《好莱坞往事》、《无耻混蛋》),还有饰演中坚角色的托比·马奎尔(《蜘蛛侠》、《了不起的盖茨比》)、约翰·艾德坡(《藩篱》、《霸主》)以及华裔演员李丽君(《致命女人》、《性/生活》)。
虽然已有不少批评的声音指责《巴比伦》是对历史混乱和糟糕的再现,但是它的精彩程度仍不逊于任何描摹电影工业从无声过渡到有声这段时期的其他电影。此外,一些罕见的历史研究,如女性和少数族裔在早期电影行业中的工作状态、洛杉矶的波西米亚式生活方式,都被导演搬上了银幕。
奇怪的是,相对于电影史学家刻薄的批评而言,我对《巴比伦》最大的不满并不是它与真实历史的相悖,毕竟艺术创作也有它自己的范围。让我感到不满的是,这部电影因为向观众过度地展示了早期电影的制作画面而使结构有所失衡,与剧情叙事有所割裂。此外,《巴比伦》似乎还带出了一些问题,如在片场中站在摄影机之后的人都发生了什么样的故事,但是电影却只是含糊回答。但是无论如何,任何对好莱坞左派议题感兴趣的观众都会陶醉于这部充满时代感的视听盛宴之中。
是的——至少对部分人如此。在禁酒令的时代,人们却是在加剧酒精摄入,在洛杉矶这座城市中更是如此。饮酒因为被视为“危险行为”,因此被赋予了“时尚运动”的标签,与毒品一道融入了追求刺激者们追求的生活方式。在电影制片厂和其他地方,毒品活动都是非常猖狂的,因为在1914年《哈里森法案》实施禁毒以前,鸦片及其衍生产品如海洛因、吗啡都可以很轻易获得,而此后十年里执法不够严格,导致毒品依然泛滥。
《巴比伦》所展现的洛杉矶的暴力与动荡,是有真实历史依据的。在现代化的进程中,洛杉矶在1910年代开始了人口大爆炸,并在1920年代成为了加州最大的城市,越来越多的游民也定居至此。在电影所展现的那段时间里,枪支与毒品和私酒一同泛滥,洛杉矶人也经历了比其他城市更多的入室抢劫和凶杀案。这么多无业游民聚集在这样一个公民结构尚未成型的城市里,往往意味着混乱与腐败。
Nellie LaRoy的人物原型为克拉拉·鲍(Clara Bow)。在电影的宣传阶段,罗比谈到了她对克拉拉生活的研究,以及这如何影响了她对Nellie LaRoy这一角色的演绎。“她的所经历的是我所能想象到的最恐怖的童年”,罗比如此说。克拉拉成长于贫困的布鲁克林(在电影中则改为新泽西),她的母亲是精神分裂症患者,曾试图亲手杀掉克拉拉;她的父亲则是一个酒鬼,并且可能对她有性虐待的行为。罗比在本片中听从导演的安排,如机器一样一遍遍地说哭就哭,这种强大的泪腺或许就是来自于其过去悲惨的经历。在电影中,LaRoy解释自己如何能拥有这种天赋时,她的回答就是:“All I have to do is think of home.”
本片另一个小而重要的角色,虚构的电影记者Elinor St. John,她在史实中对应了英国小说作家Elinor Glyn,是好莱坞里唯一一个试图去保护克拉拉的人,只可惜她失败了。
这部电影关于Nellie LaRoy的描述,大部分几乎是直接从关于克拉拉的真实生活的史书中摘下来的。罗比扮演的克拉拉是默片时代最受欢迎的明星之一,是爵士时代的权威象征。和克拉拉一样,LaRoy在电影中出演的是一个“衣着行为放荡”的人,她并没有像其他角色一样试图掩饰自己“从阴沟中爬出来”的过去,反而放肆真实地去生活。此外,电影中的LaRoy是双性恋,历史记录中的克拉拉是一个开放式的性杂食者,所以关于性向这点,谁能知道答案呢?
在《巴比伦》中,LaRoy的狂野生活使他走向了自我毁灭,而在真实历史中,疲惫与性解放的生活方式迫使她在1933年远离好莱坞,以保护自己的心理健康。后来她与曾经主演西部片的男演员Rex Bell在内华达州的一个牧场定居下来。
Jack Conard的故事与演员约翰·吉尔伯特(John Gilbert)十分相似。吉尔伯特在当代被大众遗忘,他是默片时代极具才华的风流演员,他娶过四个女演员为妻,并与许多其他人(如葛丽泰·嘉宝)恋爱。就像电影中的角色一样,吉尔伯特也正如他在银幕中常常出演的形象,风流倜傥。
吉尔伯特的死并没有《巴比伦》中Jack的自杀那么壮观,但他也依然没能完成进入有声电影时代的转型;也是因为与制片厂的纠葛,他成为了被影史技术革新抛弃下的人。1936年,吉尔伯特死于因酗酒引起的并发症,年仅38岁。在导演查泽雷的安排下,《巴比伦》所讲述的1920年代的故事被框定为电影从无声时代进入有声时代的过渡期,而玛格特·罗比和布拉德·皮特所饰演的银幕角色,却与历史上他们的大多数同行不同,被时代洪流碾压而过,陷入悲惨的结局。
绝对是的。默片时代白人女性导演、制片人和编辑的数量直到近期才被证实,而在此之前她们却一直被历史埋没。在1930年代大制片厂系统占据行业主导地位之前,女性也有广泛参与到电影创作中的自由。真实历史上,女导演Dorothy Arzner发掘了克拉拉,她在《巴比伦》中正对位发掘了LaRoy的那位导演Ruth Adler(顺带一说,这位饰演Ruth的演员还是本片的总制片人,Dorothy Arzner正是她的职业偶像)。她在1929年拍摄的电影《野宴》,指导克拉拉的表演从无声时代进入有声时代。
默片既吸引也允许许多不同种族和语言背景的演员参与到电影工业。这一时期的亚裔电影人比几十年后要多得多,如早期的早川雪洲、安必立,以及好莱坞最伟大的摄影师之一黄宗霑(10次提名奥斯卡,2次获得最佳摄影奖),他也在《巴比伦》中有一点点戏份。黄宗霑堂妹黄柳霜,在电影中化身为由李丽君饰演的Fay Zhu,在真实的好莱坞中曾出演过60多部电影,最著名的是她与好友玛琳·黛德丽一起主演的《上海快车》。黄柳霜后期的挫折来自于在好莱坞面临的日益严重的歧视,这导致她决定离开这里,回到中国生活、在欧洲工作,就像电影中的Fay Zhu一样。
(译者补充:黄柳霜在好莱坞闯荡时,因为亚裔角色有限,且一直被要求出演符合种族刻板印象的角色,因此她的职业生涯受到了不少阻碍。也是由于后来种族主义在好莱坞的兴起,以及《海斯法典》对电影中跨种族爱情情节的审查,导致其无法再扮演爱情片的主角,她在好莱坞的演艺事业更加苦难,因此决定搬到在电影工业里更加自由的欧洲。值得一提的是,米高梅在1930年代时将赛珍珠创作的关于中国农民的小说《大地》改编为电影时,黄柳霜曾被认为是最合适的女主角人选。但是由于种族主义的问题,她还是被白人演员取代。在2022年10月,美国铸币局在铸造新版硬币时,将黄柳霜的面孔印在了25美分硬币上,她也成为第一个被印在美国货币上的亚裔。)
声音在电影中的出现创造了一个短暂的时代风口,使得爵士乐大师如Louis Armstrong, Duke Ellington, Ethel Waters和Bessie Smith得以借着这一风口攀登。但是《巴比伦》中由约翰·艾德坡饰演的黑人小号手Sidney Palmer的人物原型却很难寻觅,他或许是由洛杉矶本地不太出名的演奏者Curtis Mosby 和Les Hite为灵感创作。他们曾在表演中被要求以黑木炭把他们的肤色涂到更黑,以符合种族主义的刻板印象,就像电影中的角色那样。
而《巴比伦》的男一号,由新人演员迭戈·卡尔瓦饰演的墨西哥打杂工Manny Torres(后来成长为电影制片人),很可能是以来自古巴的制片人René Cardona为原型,并在后来离开好莱坞,回到南美,在墨西哥的电影黄金时段继续发光发热。
答案依然是肯定的!在《巴比伦》中,李丽君饰演的Fay Zhu被描绘成一个拉拉,她也和女主角LaRoy陷入了一段热恋。当她们第一次在派对上起舞的时候,派对上的众人对此并没有注意到她们之间的暗生情愫——在这个顺直人都在放荡的地方,搞搞同性恋能算什么事呢?第一批电影演员大多来自都市剧院之中,在这里,双性恋、同性恋通常有着不同寻常的接受度,至少在这个圈层里大家对此是宽容的。默片时代的巨星之一威廉·海恩斯(William Haines)就早早出柜,与他的同性伴侣生活在一起,女导演Dorothy Arzner(电影中是发掘LaRoy的Ruth Adler)也是如此。电影媒体在当时也在不断成长的都市亚文化影响下来暗示各种queer行为。
而在1930年代,在《巴比伦》虚构的世界结束之后,这种对LGBTQ的宽容无法再维持,当时的业界甚至联合倡议立法,在《电影制作守则》(Hays Code,又称海斯法典)的规范下对电影中的同性恋行为自我审查。这个由天主教牧师起草的法典反映了道德多数派的主流风尚——变本加厉地迫害LGBTQ群体,并在几十年内禁止银幕上出现同性恋行为与跨种族爱情。
(以下部分内容是由我自己发掘,部分翻译自IMDb)
影片一开始,一辆货车载着大象上山,行到斜坡,货车承载不了大象的重量,往下滑动,车上的人不得不下车推行。
然后,货车上的大象,喷出了……排泄物……
推车的人惨遭屎倒淋头……
这只是开胃菜,当众人千辛万苦把大象送上山顶别墅,打开房门,你会更震惊:
放眼所及,皆是失去禁忌的跳舞、音乐、嗑Y、X交……
人在里面无所禁忌地喧闹,仿如原始动物丛林派对。
前20分钟,这部电影展示一个癫狂的视觉与事件冲击,也奠定整部作品的基调。
这部电影就是由《爱乐之城》《爆裂鼓手》导演达米恩·查泽雷编剧执导、布拉德皮特、“小丑女”玛格特·罗比、新人迭戈卡瓦尔主演的新片。
这“又”是导演写给电影发展史的一封情书。
阵容强大,投资更大——8000万美元的成本,但在去年年底仅上映一个月就下映,累计票房仅有1523万美元,对于要2亿多美元才能回本的电影来说,《巴比伦》可以说是
2022年电影商业史诗级的惨案
国内的网友还为此嘲笑:这不就是美国版的《逐梦演艺圈》吗?
因为票房实在太差,流媒体不得不提前上线。
本来我对它的兴趣,也仅仅是“想看它有多烂”的幸灾乐祸心态。
但点开观看之后,就被接连不断爆炸一般的画面、剧情镇住,狠狠地按在沙发上,毫无尿意把这部三个小时的长片看完。
这是一部非常个性化的电影,讨厌的会很讨厌,喜欢的会很喜欢。
我,就属于特别喜欢的那一类。
这个影片主要通过五个主要角色的人生故事,勾勒出上世纪20年代末30年代初,好莱坞从默片到有声片转型的疯狂图景。
都说电影圈是纸醉金迷的名利场,但影片开始展示的电影公司举办的庆功派对尺度之大、底线之低还是让我瞠目结舌。
男主迭戈饰演的曼尼,是个初入圈的墨西哥裔杂工小弟,耳濡目染下,对很多匪夷所思的事都见怪不怪。
所以,他能尽量想法把大象搬到派对上,只因老板想要;
他对派对出现的美女美酒毒品也视若无睹,那不是他关心的。
他一门心思想入电影片场,做出成绩,因为那是很有意义的事!
直到他遇到了由玛格特罗比饰演的內莉。
她出身卑微、家庭复杂,外貌亮丽,放荡不羁,若无其事地闯进这个演艺圈名流齐聚的派对,肆无忌惮地热舞、喝酒、嗑药……
那身性感红裙吸引曼尼的注意。
他对她一见钟情。他对事业的一心,也开始了二用。
这个派对里,少不了巨星压场,当时的顶流,布拉德皮特饰演的杰克康纳德也在其中。
他声名显赫,风流不羁,对待感情却很随便,其中一个爱好貌似是“不停离婚和结婚”……
在进入派对之前,他的第N任妻子已经受够了他的装腔作势,甩了他一巴掌,留下“离婚”的怒言愤然离去。
但杰克一点都不在意,进入派对喝酒作乐。在他眼中,这一切都是演戏带来的附属品。
他真正的热情,是演戏。婚姻更像是他寻求灵感的人生游戏。
此外,还有由李丽君饰演的亚裔演员、歌手朱,和约翰·艾德坡饰演的爵士乐小号手西德尼,他们在当时白人至上的娱乐圈也都有一席之地。
朱参演宴席歌手表演,偶尔接接戏,做字幕工作;
西德尼有高超的吹奏乐技巧,身在小乐团,但对搭档的糟糕表现满腹牢骚。
这两个人出现在这种场合却不违和,可见当时是一个发展多么澎湃,以致于都来不及有“非我族类”的意识存在。
这场疯狂派对就像音乐篇章一个音调超高的序,所有人都意志高昂,对未来充满希望,坚信用电影改变人生,甚或改变世界。
转机很快就来了。
派对里有个女星嗑药过猛神志不清,舞池里狂舞的內莉被制作人员一眼相中,接替女星去片场演一个放荡女。
她抓住机遇,靠着放肆夸张的舞姿,以及眼泪说掉就掉的演技,成为这部电影的华点,跻身演艺圈,人气一时无两。
曼尼则是继续工作,稳打稳扎,对影片制作的敏感和感知,从杂工小弟,逐渐成为厉害的电影制作人;
西德尼被曼尼发掘,拥有电影镜头,被更多人所知,水涨船高,离开小乐团,走向大舞台,晋升名流;
杰克继续结婚、离婚的风流史,他热衷演戏,拥抱新技术,希望自己的电影能更多发展名垂青史。
朱保持着一股神秘的东方气质,和众人保持距离,但在给內莉配字幕卡的时候,被內莉的表演打动,并对其倾心不已。
故事和人生一样,有起有落,这一切电影给众人带来的美好,达到高潮,直到……
有声电影的到来
內莉虽然爆火,爱她的影迷甚至不惜追车。
但她母亲精神分裂,身为经纪人的父亲又是个只会挥霍她钱财的人渣笨蛋,导致她内里带有自毁的倾向。
默片的演出是她发泄情感的途径,但随着有声电影到来,她的声音演出不被认可,人气急转直下。
加上她吸毒赌博滥交,负债累累,渐渐成为好莱坞影业的弃儿。
乔治的电影之路也来到了尽头。
他是最先拥抱有声电影的明星,但当他带有口音的台词一出口,整个电影院都在发笑。
两部票房失利,让他无法东山再起,活渐渐减少,甚至只能去接烂戏。
他表面放荡不羁,但实际视影如命。当观众抛弃他,电影不再需要他,他整个人也日渐消沉。
曼尼,也真的如他所愿,凭借踏实和智慧,成为一个颇受重视的制作人。
但內莉却找上门来,她因为烂赌欠下某黑社会大佬一屁股巨债,这笔钱连曼尼听了都倒吸一口凉气。
但架不住爱意,他想尽办法替她偿还。却阴差阳错把大佬给惹怒了,背上追杀令,最后逃亡墨西哥,也断送了自己的电影之梦。
西德尼虽然成为大明星,但上流社会的话题让他格格不入。
彼时种族歧视氛围愈加浓厚,为了打进南方市场,身为黑人的他居然因为影片显示不够黑,要涂上黑炭表演节目。
权力让他低头,只能扮上黑装,进行屈辱的音乐表演。
朱曾和內莉有过短暂的情侣生活,在曼尼的干预与工种的缩减下,她离开內莉,淡出好莱坞,疯狂的派对难以寻觅她婀娜的旗袍身影。
你以为这是逐梦演艺圈,大家都有美好未来?
并不是。
影片最后,內莉吸毒身亡、杰克吞枪自杀、朱远走欧洲、西德尼重回小剧场……
而曼尼,十几年后带着妻子回到旧日工作之地,一个人在电影院看着电影,而今电影从无声走向有声,从黑白走向彩色,想到这些年月的沧桑巨变,多少弄潮儿此起彼伏,只有电影在不断迈步前进,不禁在电影的微光中,落下难以自持的泪水。
这部影片依然带有导演达米恩·查泽雷浓烈的个人痕迹。
色彩特别浓烈,节奏紧凑激烈,就像一套可视化的疯狂爵士乐进行曲。
整部电影呈现的几乎是不疯狂不成魔的画面。
对我来说,印象最深刻的色彩有两场戏。
影片开场那个放浪的影人派对,橙红土黄浓郁黑,所有人都极尽所能做着各种龌龊事。
这样浓郁色彩里,內莉的红色更是扎眼,自信性感桀骜不驯的气质,在镜头的对焦下,成为舞池焦点,让我们跟着曼尼沉迷的眼光,沦陷为她的裙下之臣。
另一个是在影片结尾,曼尼带着伙伴去见黑社会大佬,被阴森可怖的大佬带去“看有意思的东西”。
在伸手不见五指的地下城,每下一层都能看到超越想象的罪恶行为,直至最底,舞台中央,一个全身肌肉的面具人在围观者发疯的呐喊中,表演生吃活老鼠。
恶心的红与黑交汇,给曼尼很大震撼。
相对来说,地面上以前经历的放荡派对,简直是小儿科,甚至更像天堂一样的存在。
导演用这些至明至暗作为那个年代的底色,混乱、迷人且极具危险。
再说回节奏。
达米恩在《爱乐之城》《爆裂鼓手》已经展示过他对音乐电影卓绝的音乐控制力,这部影片虽然音乐不是主角,但却无处不在。
不说里面给派对或默片伴奏的乐队,单单镜头的切换,就很有爵士乐的节奏感。
比如在影片前段,人员密集的拍摄影城,意外事件层出不穷,需要赶在太阳日落前找到坏掉的摄影机替代物,內莉要在导演要求下呈现不同的落泪表演,现场出现火情必须赶快救火,超千人的战争场面混乱至急继续调度……
现场各种急迫被交替剪辑在一起,好像一切都要玩完了,但随着曼尼争分夺秒抢来了摄影机,拍摄得以进行。所有的危机在最后一刻化险为夷。
在温暖的日光下,杰克在千军万马的背景下与女主接吻,一只蝴蝶停靠在他的肩膀上;
另一片场大火终于被及时扑灭;
內莉的第一场戏,如导演要求,落下珍贵的一滴泪……
激进之后,迎来温柔篇章,曼尼看着眼前所有一切,眼含热泪。
这是电影美好的奇迹时刻。
这种像《爆裂鼓手》一样,带着炸裂鼓点的节奏在电影中比比皆是。
因为录音系统的不完备,错漏百出,一场简单的进门戏拍了七八遍。
这七八遍重拍被导演全程记录下来,从调试、出错、暴怒、打架、收尾……每一次变化都站在一个音律改变的节点上。
有声影片到来,让杰克找工作、曼尼调整片场、西德尼蒙受耻辱拍片……
每个人的命运变奏,像被分成不同声部一样,紧密相连,十分过瘾。
在影片最后,曼尼坐在电影院落泪,甚至有致敬《爱乐之城》的意味,
历史上第一个“影片”骑马的人开始,一直到有故事的电影,从黑白到彩色到3D,从声音到特效,从《雨中曲》到《阿凡达》,最后又回归到曼尼的眼泪,
从他的泪水中,串起整个电影发展史。
很难不想起《爱乐之城》结尾畅想男女主角另一个平行时空幸福美满结局的设计。
这是一部疯狂的电影。连同演员的表演也是疯狂的。
罗比贡献了比小丑女还疯一万倍的表演。
电影里的內莉自信满满,粗俗下流,百无禁忌,但也脆弱不堪,自我堕落。
她可以毫不在意自己裸露,肆意展现美貌身材;
但她也接受不了伪装,以及别人对她意有所指的诋毁。
爱上这样的女人,是非常危险的事。
曼尼爱她,不惜身败名裂、差点丢了性命,最后远走他乡。但又无怨无悔。
整个戏里,罗比显得又脏又美。这让她最后从曼尼的车离开,哼着小曲,迈着舞步,走入黑暗,特别让人唏嘘。
这是她注定好的命运。
谁的命运,在这场浮华梦中,又不是都注定好的呢?
布拉德皮特饰演的花心名角,表面处乱不惊,甚至可以说没有心。
但当他得知当初告诉他“你能演戏”的挚友吞枪自杀,露出的震惊,
以及被影评人赤裸裸地指出“他没有任何机会”的痛苦,
隔着屏幕都能感受到他对电影的幻想与幻灭。
包括他最后和老友交谈之后,生无可恋,前往房间自杀的那场戏,也特别有人味。
在布拉德皮特这张老脸上,想到他戏里戏外的人生,我感受到了那种“俱往矣”的悲怆。
新人迭戈一出来就能担纲这部大投资巨著的电影,但他没有被巨大压力压倒,很多场景他都HOLD住了。
比如对內莉一见钟情的场面,比如被杀手追杀到尿裤子,比如最后,最重要的,对电影落泪的场面,都聚焦在他的脸上。
完全看不出新人的痕迹。
重点是,他长得好像基里安·墨菲啊!
都有硬朗的面孔和深邃的眼神,无论是愣头青还是职业精英,或是历经磨难的中年人,他忠实地还原之后,还不忘散发那神秘且带有忧伤的气质。
其他角色都有贡献了专业的演技。
无论是西德尼的不甘受辱,还是朱的东方神韵,也为本片增添亮色。
以上提到的这些角色都有历史原型,有兴趣的同学可以翻翻其他影评了解一下哟。
《巴比伦》到底象征什么呢?
有一个说法是来源《好莱坞巴比伦》的八卦书,这书讲述了许多好莱坞黄金时期明星的八卦新闻,涉及各种瞠目结舌的丑闻,包括卓别林、玛丽莲·梦露、鲁道夫·瓦伦提诺……但都未经证实;
还有一个是从名字出发,一个坍塌的空中楼阁,一个毁灭的文明……
大概,影片中的很多人,他们在好莱坞的经历,都象征着浮华之梦的坍塌。
但也正是有着这些人,在电影中前仆后继的奉献着艺术生命,让电影的艺术和技术,才能踊跃地发展发光。
他们的逝去,并不代表一种绝望。正如影片中,影评家对布拉德皮特所说:“当有人在放映你的镜头时,你又会活过来!”
这部电影,真的很挑观众,但相对于多年前我看得一头雾水的《好莱坞往事》《曼克》,它又猎奇又易懂。
它不是一部高尚的完美的片子,里面有太多问题,没有清晰的主线,表达的东西多而杂,观感也很挑战普通观众,加上三个小时的时长,对大部分人来说,这可能是一部让人备受折磨的片子。
所以它不那么值得推荐,但刚好击中了我的红心,我的情绪。
所以,花了这么长的篇幅,跟大家唠叨唠叨。
就酱紫啦。
让我们,继续在电影里,做梦吧。
一方面不太喜欢整部戏被塞得太挤太满,前半段屎尿屁元素太over让人生理不适,戏院那段混剪出现得有点生硬表达的情感也太过赤裸。但另一方面,我很喜欢角色在被时代抛弃后,尝试无果后的那份对命运的坦然接受和优雅告别(Nellie拒绝被拯救,黑夜中翩然离去的背影;Jack在感叹“没关系,我已经当过世界上最幸运的混蛋了”后做出了人生选择)。以及当技术更迭时代变迁人生悲剧已成定局时,回头发现最初那些酒池肉林群魔乱舞荒诞又癫狂的时刻,竟有一种原始又磅礴的生命力,如梦似幻,那也是属于他们最后的喧闹和最美好的时光。
为什么要如此用力地讲一个这么满的故事啊,感觉被导演晃着肩膀质问“看懂我的意思了吗!” I’m exhausted.
如果没有最后那段混剪可能可以稳稳当当给四星。前面本来看得还算开心,但这结尾实在是一言难尽。知道想干嘛,但这么用力地回顾致敬和前仨小时的tone很格格不入啊。今年“写给电影的情书”实在是有点多,行业是要靠新的好的作品来救,不是靠跟观众说一百遍我们一路走来多不容易¯\_(ツ)_/¯
三星半,一封名为《好莱坞进行时》的恐吓信兼情书,由现任好莱坞工业之子书写,呼唤回归影院在表层,呼唤从业者的职业素养在里层。电影可能真的快死了,但它毕竟早就死过八百回了,所以就静待其下一次的重生吧。另外,1、收尾部分的电影史混剪堪称一次真诚地抖机灵,动人归动人,却也完全不是Chazelle的过往水准,实现效果有待商榷。2、李丽君与玛格特·罗比贡献了年度级别的GL时刻。
从爆裂鼓手到爱乐之城到登月第一人,查泽雷的主题一直是那些辉煌成就之下看不到的昂贵代价,就像浮华的古巴比伦下埋藏的尸骨,电影里每次有电影职员死掉都有喧嚣的音乐来掩盖。像江南写过的一句话:用什么珍贵的东西,换回了空白。多少影人的付出才换来了如今电影技术的进步。可是在电影将死的今天,如果这样的天才导演都只能用电影最后的影史回顾让观众惊呼啊德莱叶啊伯格曼的话,那我想电影是真的完了。
前半段屎尿屁奇观密集节奏爽到拍腿,后面非要把六个人的故事讲圆非常拖沓,最后的混剪真是太没有必要了。Fabelmans / Empire of Light / Babylon 都在十二月排队给电影送情书,感觉电影好人卡都发不过来了。停止没意义的怀旧吧,劝导演听布拉德皮特自己的台词:别迷恋默片,别逆历史而行
是近幾年好萊塢電影中我最喜歡的。一方面能說是又一部自我沈溺感懷、如萬千部自反的好萊塢電影一樣不願意向前一步,像Nellie這個角色一般璀璨、迷亂又自滯;但我依然相信它和其中的純真——誰不會為那場山巔落日的龐大吻戲動容?電影、好萊塢和圍繞著它的夢正如開頭費里尼式的狂歡和那頭大象,藏著污穢、但龐大驚人又超越想象;同時我們看見這一江湖的一代宗師們,有人做夢,有人淡然離去,有人是耀眼落幕的白矮星,有人無法隨著時間生存衰微,有人見過神殿的污垢後回歸質樸。愛、天才和感情驅動了許多奇跡的發生,但資本與奇觀欲求的大開眼戒也在消弭著純真,無論世事如何變遷,最終電影中劇組拍攝的影像、屬於這部電影的影像和電影史的其他經典影像,消除了邊界達到了共時,在顏料和剪輯中解構,成為了最純真的情感記憶。這對一些人很重要。
在南柯一梦的风流簇拥不再之后,在宴会厅偶遇老友寒暄之后,在给侍者一笔慷慨的小费之后,随着音乐翩翩走回楼上房间之后,或许你能理解这时候开膛结束自己生命的美感吗。在被追杀的途中跑进舞厅之后,在和深爱你的男人舞池相拥私定终身之后,又觉得不能离开这个用电影造梦之地,或许你能理解这时候不告而别,随着音乐消失在夜色里的美感吗。在所有荒诞癫狂璀璨糜烂的派对全都散场之后,在所有恐惧落寞痛苦的记忆全部归于平静之后,或许你能理解,不论怎样,我们还是会坐在漆黑的影院里,为一场又一场的幻梦而流泪的美感吗。
难以相信布拉德皮特和玛格特罗比居然把《好莱坞往事》又演了一遍。今年看过各种号称写给电影的情书,达米恩的这一部最合格。前半段为五星定调:似乎很久没有遇到一部作品能够令观众在完全搞不清楚作者意图的情形下,还甘愿走进编剧天马行空的想象圈套当中。只是后半段走向还是将影片框在了《好莱坞往事》与《爱乐之城》的结合架构里,让人略感失望。Lala Land的配乐团队为这部影片几乎是原样打造了一张2.0的原声作品,而男女主角的theme几乎是city of star繁星之城的翻版,令影片中原本并未过分着墨的感情线加分不少。尽管导演再次用过人的品味挽救了其相较平庸的叙事能力,但却也并未将好莱坞往事真正变成好莱坞狂想。
可以看成20到30年代的好莱坞浮世绘,也可以看成导演对一个震荡电影时代的旁观。白、黑、亚和南美,四个族裔在那个荒诞、纵欲、疯狂又无法形容的时代,跟随电影工业从无声到有声的变迁,各自走向不同的结局,令人无尽唏嘘。电影最后看似混乱的蒙太奇,恰巧贴合着那个时代好莱坞的混乱,但这也正是电影借助光影,穿梭时代,表达着对电影这项艺术、或是工业的一种期待。看着男主角面对时代变迁后的影院泪流满面时,真心希望电影不死,我们可以永远面对大银幕,永远可以热泪盈眶。
当镜头从打破第四面墙的蒙太奇切回坐在电影院里的男主的时候 我和他是一模一样的笑中带泪表情 谢谢电影和做电影的人们
LaRoy把男的都叫去看她爸抓蛇的那场戏,Lady Fay Zhu像去对面gay bar问赵妈需不需要帮忙救火的铁t
爱这部电影的人,不免是有一些抖M倾向在身上的。他/她们需要一个强悍的、技艺超群的、令人心悦诚服又独属于他/她一人的抖S。
《巴比伦》几近对一个时代乃至整个影史进行了回顾,技巧和调度尤其是大场景的景观和人物调度如此恢弘简直可以称为奇观电影。各种族各主角命运走向的叙事完成度也都很高,政治正确却不惹人厌。特别是用拉丁裔的刀去杀戮其他族裔的桥段很有戏剧张力,黑人不够黑的一幕很震撼,堪称绝佳表演。缺点是叙事太直给,生怕观众看不懂各种糊你脸上,恶趣味也拉得太满。结尾也太拖沓非要用蒙太奇拉出整个影史来蹭大腿,和《天堂电影院》一比显得很廉价。同样是对电影工业的追缅,《巴比伦》显然立意和格局都比《造梦之家》要好,但如果今年的名导们仅能用对电影本身自怜自哀来拍电影,那是不是更印证了电影行业的日薄西山?电影未死而挽歌大作,我们正如男主角一样,见证其夕阳西下、百年兴亡。
这个导演就是喜欢最后来概括中心思想…
导演想拍《好莱坞往事》,皮特想演《了不起的盖茨比》,罗比想要《爱乐之城》,男主想象《贫民窟的百万富翁》,珍想去《宿敌》,托比想到《小丑》,丽君想扮《一代宗师》,大家都有美好的未来,却没人许电影一个未来。
比起阿凡达2,这部才是我觉得更值得讨论的电影,也是更属于当下的电影,虽然它讲的是20年代末的好莱坞。来看screening的影评人和记者都被开篇那场酒池肉林大戏震住了,主演们也都把看家本领亮出来了(Margot Robbie和Brad Pitt继《好莱坞往事》之后再度联手),真是目眩神迷,能去电影院看一定要去电影院看,回头细说~
“好莱坞往事”乱入“爱乐之城”。同样讲述拍电影的初心,斯皮尔伯格的“造梦之家”让我感到廉颇老矣的匠气,达米恩·查泽雷却用嗑了10公斤coke般的迷幻癫狂带给了我惊喜。默片变有声的风起云涌,明星们的命运浮沉,通过如痴如醉的爵士乐串起,3个小时的高饱和视听就像一场自我沉浸的趴体。好莱坞从来不缺酒池肉林和纸醉金迷,然而最终让我们走进影院的却是小小的雨中曲。
震撼到无以言表,真正的史诗。关于好莱坞最好的电影,真正的好莱坞往事。如同那段影评人与影星的对话一样,这栋大房子谁都不在意。我们只不过是一个又一个浪头。耀眼的那些也转瞬而逝。但是那些电影,那些面孔,会留下来,在一百年后,还是一千年后,一个年轻人路过看到这个画面,他会觉得似曾相识。强烈推荐电影史课放这部片子。太过迷影,而电影又值得着迷。今年最好的好莱坞电影。最后的混剪,让我颤栗。
结尾拼接属实没必要……