无尽
缺集或无法播，更换其他线路.剧照
剧情介绍
裸体午餐电影免费高清在线观看全集。
1953年的纽约，杀虫人比尔（Peter Weller 饰）进行着孤独的个人写作，只有两个好友知晓他的文学尝试。比尔的妻子琼（Judy Davis 饰）沉迷于注射杀虫粉，比尔为她拜访了戒毒医生班威，不久被麻醉品管理处传讯，在那里他遇到了能说话的虫子，它指出比尔的真实身份是一名间谍，比尔惊慌失措的逃回家，开枪误杀妻子，只得按照怪异生物的指点远赴中东的“区间”避难。当地的黑肉场场主、美国作家和他酷似琼的妻子、同性恋商人、以及集市上的女人看起来无不是一桩阴谋的一部分，比尔在自己那台会说话的打字机“克拉克诺瓦”的帮助下进行创作，并不断接近阴谋的真相，在又一次失去了琼以后，比尔发现了区间同班威医生的联系。 本片获1993年伦敦电影节年度女演员奖，1992年加拿大吉尼奖最佳导演、最佳摄影等多项褒奖。根据威廉·罗伯斯同名小说改编。奔腾年代化妆师新版地狱天使恋爱播放列表第四季超级豪宅第二季镖行天下之龙骑禁军像小强一样活着粮食冬末亡命时空煤气灯下1944禁闭岛（原声版）深度谜案挚爱1969氧气危机把妹大作战第一季天外有天第二季闪光少女[电视剧版]绝地狙击假如幸福来临汉娜姐妹柏林危机小兵1963志明与春娇粤语地狱之渊破茧十二夜2：回到第零天超力少女替代者诡森灵轮流传随波逐流2011岸边露伴一动不动侦探语录南方大作战表哥到玛赛拉第二季星际牛仔第一季头号玩家盘丝洞1967罪案终结第六季鲨卷风3
1953年的纽约，杀虫人比尔（Peter Weller 饰）进行着孤独的个人写作，只有两个好友知晓他的文学尝试。比尔的妻子琼（Judy Davis 饰）沉迷于注射杀虫粉，比尔为她拜访了戒毒医生班威，不久被麻醉品管理处传讯，在那里他遇到了能说话的虫子，它指出比尔的真实身份是一名间谍，比尔惊慌失措的逃回家，开枪误杀妻子，只得按照怪异生物的指点远赴中东的“区间”避难。当地的黑肉场场主、美国作家和他酷似琼的妻子、同性恋商人、以及集市上的女人看起来无不是一桩阴谋的一部分，比尔在自己那台会说话的打字机“克拉克诺瓦”的帮助下进行创作，并不断接近阴谋的真相，在又一次失去了琼以后，比尔发现了区间同班威医生的联系。 本片获1993年伦敦电影节年度女演员奖，1992年加拿大吉尼奖最佳导演、最佳摄影等多项褒奖。根据威廉·罗伯斯同名小说改编。奔腾年代化妆师新版地狱天使恋爱播放列表第四季超级豪宅第二季镖行天下之龙骑禁军像小强一样活着粮食冬末亡命时空煤气灯下1944禁闭岛（原声版）深度谜案挚爱1969氧气危机把妹大作战第一季天外有天第二季闪光少女[电视剧版]绝地狙击假如幸福来临汉娜姐妹柏林危机小兵1963志明与春娇粤语地狱之渊破茧十二夜2：回到第零天超力少女替代者诡森灵轮流传随波逐流2011岸边露伴一动不动侦探语录南方大作战表哥到玛赛拉第二季星际牛仔第一季头号玩家盘丝洞1967罪案终结第六季鲨卷风3
长篇影评
1 ) 打字机先生你好
文字绝对是人类史上最让人无法自拔的毒品。致幻，带来无以名状的兴奋以及绝望。更早与文字之前，在其还在嘴与耳间传播时，这一伟大的致幻剂就已在人类的血液之中蠢蠢欲动。当打字机先生的两个朋友在黑药之城发现他枕着纷杂不清的各类毒品躺在沙堆上后带他回住处读起不知何时寄回美国的书稿，那梦幻的文字带来的何尝不是一种快感。
2 ) 绝妙的改编
本片是加拿大导演大卫·柯南伯格（David Cronenberg）根据威廉·柏洛兹（William S. Burroughs）同名小说改编。影片里充满了打字机、会说话的甲虫、各种意寓深刻的对话。非常cult，是绝妙的改编。不但具有卡夫卡式意识流派的诗意，也是对the beat generation作家walliam lee创作流程充满传记性的再现。正如美国影评人David Ansen所言：“显然这不是适合大众口味的怪味茶，欣赏此片需要一种对重口味美学的品位。对敢于接受的观众来说，这绝对是一部引人入胜的影片。”
1
二战后，美国文学界出现了“垮掉的一代”。他们的特征是：吸毒、尝试新的性行为、对东方宗教的兴趣、反物质主义和充满狂热的表达。柏洛兹的《Naked Lunch》正是“垮掉文学”的重要代表作之一，与之齐名的是阿兰·金斯伯格的《嚎叫Howl》和捷克·凯鲁亚克的《在路上On the Road》他们都推崇即兴创作。即在吸食某些药物后，凭着热情和幻觉创作文学作品，也是标志其难以影视化的记号。
2
柏洛兹的Naked Lunch是无线索、不叙事化、不情节化的小说，把它改编成电影貌似一件“不可能完成的任务”，大卫·柯南伯格此番改编，不仅源自小说本身，还来自柏洛兹的其他小说和柏洛兹的亲身经历。电影里的Bill Lee就是柏洛兹，柏洛兹的确做过“杀虫人”的工作；Hank和Martin的人物形象基于捷克·凯鲁亚克和阿兰·金斯伯格，他们是帮助柏洛兹整理小说原稿的朋友；Tom和Joan Frost基于柏洛兹在摩洛哥丹吉尔生活时认识的朋友Paul和Jane Bowles；而用枪射杀妻子的情节也取自作者的真实经历，他在1951年墨西哥醉酒后玩一个叫做“威廉·泰尔William Tell”的游戏时杀死了自己的结发妻子Joan Vollmer，此后柏洛兹正式开始了写作生涯。电影的叙事逻辑就是柏洛兹本人的经历，整部影片就是对柏洛兹文学创作流程具有传记性的再现。
3
我在豆瓣标记的这部影片同步到了微博上。一向清静的微博上突然就出现了两条评论，原来是有人希望我加入他们的ONS俱乐部。当然，这只是对《裸体午餐Naked Lunch》这个名字的字面误解，一如柏洛兹的朋友金斯伯格，他一开始竟把书名读作了《Naked Lust》。据柏洛兹在书里的介绍，这本小说的名字实际上来自凯鲁亚克的建议：naked lunch, a frozen moment when everyone sees what is on the end of every fork。
4
影片中让人印象最为深刻的，应该是那两台风格迥异的打字机。一台打字机化身为甲虫克劳克·诺娃，用屁眼说话，它自称是男主角的“代理人”，还指导男主角杀掉自己的妻子，考虑同性恋的行为。另外一台打字机，则化身为具有男性性特征的妖怪玛格瓦姆，在打字的间隙，它头上的触角会如JJ一样勃起，并流出一些乳白色的液体。这一系列的影像，都是男主角Bill在古玩店用手枪换取打字机时看到一个小挂件的印象，小挂件上是一只玛格瓦姆在吸食一名裸体男子。对应后面Kiki被化身成怪物的瑞士同性恋Cloquet吃掉。而那些打印机都是普通的打印机，这在影片里有所揭示，幻化出来的形象都是Bill吸食药物后的作用。
5
Bill吸食的药物，最先是用来杀虫的黄色粉末，后来接触到了一种黑色粉末，在Interzone里，发生了同性性行为后，开始食用妖怪玛格瓦姆分泌的液体。这些粉末和液体在现实中分别对应一些毒品。现实中的柏洛兹对意外杀死妻子耿耿于怀，开启了他的写作生涯，在写作中也对此念念不忘。杀死妻子之前，Bill接触到了一种黑色粉末，药物作用让他发生意外。后来在一个市场，他看到晒干的巴西蜈蚣后悲痛不堪，也是因为这种动物制作的黑色粉末让他错杀爱妻。Bill后来接受建议准备和与妻子酷似的女人开始新生活时，又一次在玩“William Tell”的游戏中杀死了她。
6
影片也有对写作态度的表达。Bill第一次和两个写作朋友聊天时，他们在争论：应不应该对写出的作品进行修改。Bill的回答也正是柏洛兹的态度：清除一切合理的思想都是错误的。这种对写出的作品保留原状的态度就是“垮掉文学”的写作价值观：即兴，并保留原状。在Interzone的第一天，Bill遇到一个向他兜售“黑肉”的人，他说：“在艺术世界里能够助你一臂之力”。“垮掉文学”就是在毒品的影响下的即兴创作，所以毒品是能助作家一臂之力的。Bill第一次遇到瑞士同性恋者时，他说出了他的另一本书《QUEER》里面的句子。这就是毒品和性。
第一遍看完，不敢说理解。这堆废话作记录之用。本片绝对是值得多次回味的blockbuster。不推荐给寻求娱乐重口味情色的观众，这注定离你们的期待太远。
1
二战后，美国文学界出现了“垮掉的一代”。他们的特征是：吸毒、尝试新的性行为、对东方宗教的兴趣、反物质主义和充满狂热的表达。柏洛兹的《Naked Lunch》正是“垮掉文学”的重要代表作之一，与之齐名的是阿兰·金斯伯格的《嚎叫Howl》和捷克·凯鲁亚克的《在路上On the Road》他们都推崇即兴创作。即在吸食某些药物后，凭着热情和幻觉创作文学作品，也是标志其难以影视化的记号。
2
柏洛兹的Naked Lunch是无线索、不叙事化、不情节化的小说，把它改编成电影貌似一件“不可能完成的任务”，大卫·柯南伯格此番改编，不仅源自小说本身，还来自柏洛兹的其他小说和柏洛兹的亲身经历。电影里的Bill Lee就是柏洛兹，柏洛兹的确做过“杀虫人”的工作；Hank和Martin的人物形象基于捷克·凯鲁亚克和阿兰·金斯伯格，他们是帮助柏洛兹整理小说原稿的朋友；Tom和Joan Frost基于柏洛兹在摩洛哥丹吉尔生活时认识的朋友Paul和Jane Bowles；而用枪射杀妻子的情节也取自作者的真实经历，他在1951年墨西哥醉酒后玩一个叫做“威廉·泰尔William Tell”的游戏时杀死了自己的结发妻子Joan Vollmer，此后柏洛兹正式开始了写作生涯。电影的叙事逻辑就是柏洛兹本人的经历，整部影片就是对柏洛兹文学创作流程具有传记性的再现。
3
我在豆瓣标记的这部影片同步到了微博上。一向清静的微博上突然就出现了两条评论，原来是有人希望我加入他们的ONS俱乐部。当然，这只是对《裸体午餐Naked Lunch》这个名字的字面误解，一如柏洛兹的朋友金斯伯格，他一开始竟把书名读作了《Naked Lust》。据柏洛兹在书里的介绍，这本小说的名字实际上来自凯鲁亚克的建议：naked lunch, a frozen moment when everyone sees what is on the end of every fork。
4
影片中让人印象最为深刻的，应该是那两台风格迥异的打字机。一台打字机化身为甲虫克劳克·诺娃，用屁眼说话，它自称是男主角的“代理人”，还指导男主角杀掉自己的妻子，考虑同性恋的行为。另外一台打字机，则化身为具有男性性特征的妖怪玛格瓦姆，在打字的间隙，它头上的触角会如JJ一样勃起，并流出一些乳白色的液体。这一系列的影像，都是男主角Bill在古玩店用手枪换取打字机时看到一个小挂件的印象，小挂件上是一只玛格瓦姆在吸食一名裸体男子。对应后面Kiki被化身成怪物的瑞士同性恋Cloquet吃掉。而那些打印机都是普通的打印机，这在影片里有所揭示，幻化出来的形象都是Bill吸食药物后的作用。
5
Bill吸食的药物，最先是用来杀虫的黄色粉末，后来接触到了一种黑色粉末，在Interzone里，发生了同性性行为后，开始食用妖怪玛格瓦姆分泌的液体。这些粉末和液体在现实中分别对应一些毒品。现实中的柏洛兹对意外杀死妻子耿耿于怀，开启了他的写作生涯，在写作中也对此念念不忘。杀死妻子之前，Bill接触到了一种黑色粉末，药物作用让他发生意外。后来在一个市场，他看到晒干的巴西蜈蚣后悲痛不堪，也是因为这种动物制作的黑色粉末让他错杀爱妻。Bill后来接受建议准备和与妻子酷似的女人开始新生活时，又一次在玩“William Tell”的游戏中杀死了她。
6
影片也有对写作态度的表达。Bill第一次和两个写作朋友聊天时，他们在争论：应不应该对写出的作品进行修改。Bill的回答也正是柏洛兹的态度：清除一切合理的思想都是错误的。这种对写出的作品保留原状的态度就是“垮掉文学”的写作价值观：即兴，并保留原状。在Interzone的第一天，Bill遇到一个向他兜售“黑肉”的人，他说：“在艺术世界里能够助你一臂之力”。“垮掉文学”就是在毒品的影响下的即兴创作，所以毒品是能助作家一臂之力的。Bill第一次遇到瑞士同性恋者时，他说出了他的另一本书《QUEER》里面的句子。这就是毒品和性。
第一遍看完，不敢说理解。这堆废话作记录之用。本片绝对是值得多次回味的blockbuster。不推荐给寻求娱乐重口味情色的观众，这注定离你们的期待太远。
3 ) 赤裸午餐
看得我頭痛欲裂的怪異電影。
Billy Lee穿上西裝, 打著一份滅蟲差事, 長期受到滅蟲藥粉的影響, 意識有了不是屬於現世的幻覺。他想做作家, 在電腦還只是科幻小說的未來主宰預言時, 打字機是五十年代作家賴以把中心思想及用字遣詞化為文字的夥伴。有如現代作家不能沒有電腦, 兩者關係相敬如賓, 沒有鍵盤的下按感應, 末端不能接通中央處理器的指令庫, 佳句篇幅不能組織成可供閱讀的文章。 電影原著作者William S. Burroughs深明可信賴的文字處理器是撰寫文句的重要環節, 不可馬虎, 影像亦突出了作者對寫作的入魔境界: 打字機可以化為作家厭惡的昆蟲樣子, 他要按其鍵盤輸入文字, 昆蟲打字機的感官神經藉著綿密有緻的指頭觸動, 輕聲呻吟, 宛如幻想出來的怪異蟲機混合體是Lee的情婦, 作家和溝通工具升華, 由以往的主僕, 到不可分離的曖昧, 人和物的理論、作家隱藏的殺氣, 欲毀之而後快的決意, 因為相處日久, 他的報告文學寫得清暢流利, 原諒了不斷說作家妻子是蜈蚣間諜的打字機, 作家不需要嗅黃色粉末, 目睹蟑螂醜陋死相, 背著和整潔洋服不協調的殺蟲藥劑, 所以他希望盡快擺脫和身份不配的低下工作。
在Interzone, 作家遇見了同是作家的夫婦, 他們給了打字機名字, 視為至寶, 會為它們的下落, 生命安全擔心, 作家把成名的寄望, 情色的傾瀉, 投注在異形化的打字機。 以上是作家嗑藥造成的虛幻, 他要服食藥粉, 是逃避不如意的工作及失敗的婚姻: 妻子Joan和丈夫朋友嗑了藥, 靈魂飄落至迷離境界, 當著Lee面前親熱, 丈夫沒有問罪, 道德良心已經想成為著名作家的理想佔據, 所以他要用藥物帶他到中東風味濃烈的異域尋找寫作靈感, 寫出來的文字現實與迷幻夾纏不清, 是朋友讚頌的好作品, 畢竟現實不容他存有幻想, 藥物是作家初時殺死昆蟲打字機的藥引, 後來為了擺脫困局, 他同異形怪物合作, 和另一個幻界作家Joan情色交融, 才能寫出與當代文壇風氣大不相同的情色、同性, 文筆遊走真實及虛構的架空世界, 是妥協藥品副作用, 名成利就的交易。
電影現實及幻覺的畫面交代清楚簡潔, 不像《世紀毒殺網絡》全套用電腦動畫, 要是沒有留神, 很容易分不清虛實, 這點《赤裸午餐》的人工模型昆蟲打字機、酒吧喝酒的怪物和放滿了針筒藥物的公事包對照, 明顯更勝一籌。
此外, 《赤裸午餐》用了主角聲線的起落詮釋了現實與幻想世界: 作家在現實的聲線線條清楚; 身陷幻想世界時聲音低沉, 較難聽懂他說什麼, 最難明白的一節是作家用[肛門侵占身體]的譬喻, 切合服用藥物的人的必有口齒含糊現象。電影也觸及了戰後的同性戀禁忌: 作家吻了同性戀者Kiki額頭, 是回應同性愛不被當時社會接納的挑戰。
我現時寫稿都是假手電腦, 回想那部鋼筋蟲身的混合新品種, 要把手按在鍵盤是噁心透頂視感, 但願不要寫作泉源閉塞時, 腦門幻想面前的電腦鍵盤及主機是與日常工作相關的怪物。
Billy Lee穿上西裝, 打著一份滅蟲差事, 長期受到滅蟲藥粉的影響, 意識有了不是屬於現世的幻覺。他想做作家, 在電腦還只是科幻小說的未來主宰預言時, 打字機是五十年代作家賴以把中心思想及用字遣詞化為文字的夥伴。有如現代作家不能沒有電腦, 兩者關係相敬如賓, 沒有鍵盤的下按感應, 末端不能接通中央處理器的指令庫, 佳句篇幅不能組織成可供閱讀的文章。 電影原著作者William S. Burroughs深明可信賴的文字處理器是撰寫文句的重要環節, 不可馬虎, 影像亦突出了作者對寫作的入魔境界: 打字機可以化為作家厭惡的昆蟲樣子, 他要按其鍵盤輸入文字, 昆蟲打字機的感官神經藉著綿密有緻的指頭觸動, 輕聲呻吟, 宛如幻想出來的怪異蟲機混合體是Lee的情婦, 作家和溝通工具升華, 由以往的主僕, 到不可分離的曖昧, 人和物的理論、作家隱藏的殺氣, 欲毀之而後快的決意, 因為相處日久, 他的報告文學寫得清暢流利, 原諒了不斷說作家妻子是蜈蚣間諜的打字機, 作家不需要嗅黃色粉末, 目睹蟑螂醜陋死相, 背著和整潔洋服不協調的殺蟲藥劑, 所以他希望盡快擺脫和身份不配的低下工作。
在Interzone, 作家遇見了同是作家的夫婦, 他們給了打字機名字, 視為至寶, 會為它們的下落, 生命安全擔心, 作家把成名的寄望, 情色的傾瀉, 投注在異形化的打字機。 以上是作家嗑藥造成的虛幻, 他要服食藥粉, 是逃避不如意的工作及失敗的婚姻: 妻子Joan和丈夫朋友嗑了藥, 靈魂飄落至迷離境界, 當著Lee面前親熱, 丈夫沒有問罪, 道德良心已經想成為著名作家的理想佔據, 所以他要用藥物帶他到中東風味濃烈的異域尋找寫作靈感, 寫出來的文字現實與迷幻夾纏不清, 是朋友讚頌的好作品, 畢竟現實不容他存有幻想, 藥物是作家初時殺死昆蟲打字機的藥引, 後來為了擺脫困局, 他同異形怪物合作, 和另一個幻界作家Joan情色交融, 才能寫出與當代文壇風氣大不相同的情色、同性, 文筆遊走真實及虛構的架空世界, 是妥協藥品副作用, 名成利就的交易。
電影現實及幻覺的畫面交代清楚簡潔, 不像《世紀毒殺網絡》全套用電腦動畫, 要是沒有留神, 很容易分不清虛實, 這點《赤裸午餐》的人工模型昆蟲打字機、酒吧喝酒的怪物和放滿了針筒藥物的公事包對照, 明顯更勝一籌。
此外, 《赤裸午餐》用了主角聲線的起落詮釋了現實與幻想世界: 作家在現實的聲線線條清楚; 身陷幻想世界時聲音低沉, 較難聽懂他說什麼, 最難明白的一節是作家用[肛門侵占身體]的譬喻, 切合服用藥物的人的必有口齒含糊現象。電影也觸及了戰後的同性戀禁忌: 作家吻了同性戀者Kiki額頭, 是回應同性愛不被當時社會接納的挑戰。
我現時寫稿都是假手電腦, 回想那部鋼筋蟲身的混合新品種, 要把手按在鍵盤是噁心透頂視感, 但願不要寫作泉源閉塞時, 腦門幻想面前的電腦鍵盤及主機是與日常工作相關的怪物。
4 ) 《裸体午餐》他终究会爆掉女人的头
用一句话介绍这部电影的精华可以这么说：“一个职业杀虫员莫名其妙的用枪爆了妻子的头。然后潜逃了，成了作家，遇到了一个跟妻子长得一模一样的女人，那个女人被区间组织奴役，作家为了救她很是经历了一番周折。终于救出了女人，两个人幸福的生活在了一起。然后作家又莫名其妙的爆了这个女人的头。” 终究有什么意义？有什么意义？什么意义？意义？ 我想，作者大概只想说明一点，他终究会爆掉女人的头。他天生就是一个同性恋。 看完《裸体午餐》纸书之后，几乎是第一时间找来电影。因为太想知道书中那种迷幻的文字要怎样聚合成一个视觉故事。就好像想看烟雾重新聚合成香烟一样。而且，毕竟导演就是原著作者，有机会亲自改编自己作品的作家并不多。
观后感就是：电影的迷幻色彩跟小说一脉相承，故事情节又完全各行其道……烟雾还是烟雾，只不过飘散的方向不同了。 推荐看过原著并能接受的读者看一下电影。重口味，非喜勿入。 —————————————分割线————————————— 书评:《裸体午餐》，以垮掉的姿态不朽 《裸体午餐》是一个矛盾体，它并不是一本大部头，但读者却要用很长很长时间去读它。因为一个吸毒者的幻像世界本就支离破碎，作者却还在这碎片之中掺入大量类心理学意象。他说：“毒品的世界一无所有！”可《裸体午餐》里什么都有。药典、心理学、人性、政治、社会……像一大堆毕加索抽象画的碎片，胡乱堆在地上。 但是，只要你肯花一点时间去细看，就会被这些碎片震惊，再用一点时间，你甚至可以拼成一幅更令你震惊的巨作。当然，每个人拼出的一定是不同的画面。 所以不要吝惜时间，因为阅读这本书的速度，跟作者的伟大和这本书得到的¬荣誉成正比。 《裸体午餐》作者威廉•巴勒斯（1914—1997），美国作家，与艾伦•金斯堡及杰克•凯鲁亚克同为“垮掉的一代”文学运动创始者。被誉为“垮掉的一代”精神教父和美国后现代主义创作先驱之一。这人年轻时是个富二代，主业似乎就是吸毒，写作，聊天，交男友。有过一段离奇的杀人经历，做了几年牢。到了晚年，与吸毒成瘾一样，居然戒毒成瘾。开始尝试各种戒毒方法，并记录下来，有点像严谨科学家的派头了。同时还涉足演艺界，创作流行歌曲，拍电影，绘画，还为耐克运动鞋在电视上做广告，几乎无所不为。最为称道的成就还是他的文学作品吧，有《裸体午餐》《瘾君子》《红夜之城》《酷儿》《野孩子》《软机器》《爆炸的票》《新星快车》等。 《裸体午餐》是巴勒斯最好的作品之一，与凯鲁亚克的《在路上》、金斯堡的《嚎叫》、并列“垮掉圣经”宝座。但比之另外两本，《裸体午餐》更适应时间的跨度。放在当下阅读也完全没有时代隔膜。另两本就稍稍逊些。 从写作角度来看，巴勒斯使用了一种被称为“剪裁法（个人理解就是来了灵感就写两笔，哪哪都不挨着）”的手法，使作品新颖独特。 说到这种奇怪写法，巴勒斯在书里有自述：（这绝对是嗑多了时写的）
你可以在任意一个交叉点切入《裸体午餐》……我写了许多篇序言。它们自然而然地枯萎、截断，就像西非黑人部落里特有的一种疾病，专门截断人的小脚趾头，过路的金发美女露出她的黄铜脚踝，一个被截断的脚趾就蹦到夜总会阳台那头去了，被她那条阿富汗猎犬找回来丢在她脚下…… 《裸体午餐》是一个蓝图，一本指南书……黑色昆虫朝着另一片广袤的星球张开欲望的嘴……抽象的概念，像代数一样乏味无趣，最后抽缩成一个黑色的粪团，或两个年老体衰的法国移民…… 指南通过打开长长走廊顶头的那扇门，拓展了体验的层面……那些门只在沉默中打开……《裸体午餐》要求读者沉默不语。不然就是在给自己搭脉……
而在不那么使用“剪裁法”显得相对完整的章节里，人们才会懂得天才的意义所在，巴勒斯并不是不会完整的讲述，甚至还相当深刻、幽默。就像毕加索不是不会画正统的人像一样，而是他们不想那么“平常”。 除此之外，此书大量运用典故、方言、俚语、黑话、双关语、文字游戏等，比如光对警察的称呼，就有N多种不同的绰号和叫法，又堪称市井语言大百科。 从文化角度来看，可以说此书拓宽了美国文化，作者无遮无拦的向读者展示了一个吸毒者眼中地狱般的人间，荒诞、堕落和腐朽到触目惊心。可透过吸毒者的世界，又能看出作者在积极的反毒品，以及对社会制度的深刻反思，具有超强的说服力和教育意义。巴勒斯说：
毒品病毒是当今世界公共健康的第一大问题。《裸体午餐》描述的就是这一健康问题，因此它肯定是野蛮、下流、惹人厌恶的。毒瘾这种疾病经常充满一些令人作呕的细节，不适合体虚敏感的人。全世界服用止痛剂的孩子们联合起来，我们失去的只是贩毒者，而他们是多余的。看清楚，看清楚吸毒的路，不要贸然踏上去，结交乌合之众……
此书在美国曾一度被禁，可又被评为《时代周刊》英文百大小说，被文学史称为20世纪最重要的小说之一。读者普遍认为此书是最不适合改编成电影的小说，可1991年，大卫•柯南伯格却将其翻拍，电影的迷幻色彩跟小说一脉相承，故事情节又完全各行其道…… 看来，《裸体午餐》包含的各种矛盾也是它不朽的原因之一。 本次作家出版社出版的《裸体午餐》精简装同期面市，给读者多一种购买选择。译本采用《哈利•波特》系列译者马爱农译作。据说这个译本出版前还有个小插曲，新书预告之后，台湾译者何颖怡在未看到马爱农译本全文之前曾断言马爱参考改写了她的台版译文，后发现并非如此，于是专程在豆瓣公开致歉。诚恳态度也得到了大家的理解。 何颖怡之所以如此紧张，大概也是因为此书翻译实属浩大工程，非一般译文能比。据说出版方邀请马爱农写篇译者笔记时，马老师也予以拒绝，理由竟是：不想再回忆起翻译时的痛苦。 可见，这本书除了最不适合改编成电影之外，也是最难翻译的著作之一了。 —————————————分割线————————————— 歪楼，推荐另一位能让译者痛苦死的小说《失落的星阵》。硬科幻，作者还给外星人编了一套语言。作者还要翻译外星语，哈哈哈~
5 ) Cult film 缓慢学习中
Cult Films have limited but very special appeal. Cult films are usually strange, quirky, offbeat, eccentric, oddball, or surreal, with outrageous, weird, unique and cartoony characters or plots, and garish sets. They are often considered controversial because they step outside standard narrative and technical conventions. They can be very stylized, and they are often flawed or unusual in some striking way.
Most cult films cut across many film genres (science fiction, horror, melodrama, etc.), although some film genres are also more prone to being cultish, such as the horror or sci-fi genres. Teen comedies are also more often rated as cult films, such as Dazed and Confused (1993), and Fast Times at Ridgemont High (1982), with quotable lines of dialogue, and memorable characters and scenes.
Many cult films feature or effectively showcase the performance of newcomers or other unknown talented actors/actresses. These often-obscure and cheesy films are usually made by maverick, highly individualistic film-makers with low-budget resources and little commercial marketing. And cult films are rarely, if ever, sequels, since then they would have attained mainstream appeal and widespread success. Some directors are more prone to making cult films, such as John Waters, Quentin Tarantino and David Lynch, especially early in their careers, because of their individualistic perspective and style, although they can often make a conventional 'mainstream' film too (such as David Lynch's The Straight Story (1999)).
Many cult films fared poorly at the box office when first shown, but then achieved cult-film status, developing an enduring loyalty and following among fans over time, often through word-of-mouth recommendations. Sometimes, they were revolutionary, brilliant films 'before their time' (i.e., Fantasia (1940)) and not bound by the conventions of their day.
They elicit a fiery and intense passion in devoted fans, and may cause cultists to enthusiastically champion and become devoted to these films, leading to audience participation, fan club membership, and repetitive viewings and showings. Cult films have tremendous followings with certain groups, e.g., college campuses, 'midnight movie' crowds, independent film lovers, etc. Cult movie worshippers persuasively argue with all about the merits of their choices, without regard for standard newspaper or movie reviews from critics.
There's no hard-and-fast rule or checklist to gauge what makes a cult film. A cult film is often designated as such "in the eye of the beholder" without fufilling any definition. It's often a matter of opinion. One viewer's cult film may not be judged the same by another viewer. And just because a segment of devoted viewers (pre-teen girls) repeatedly watch a film - such as Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (2003) - to view its star Johnny Depp, or Titanic (1997) (to see Leonardo Di Caprio), or to view the latest George Lucas Star Wars film, doesn't make a film a cult film. However, there are the most popular cult films, such as The Rocky Horror Picture Show (1975) and any of the Star Trek films, that have developed cult followings with all the trappings.
One of the biggest, best-known cult films was not intended to become so popular. It was a low-budget, government 'documentary' propaganda film from the mid-30s created to dramatize the dangers of marijuana use and demon weed - Reefer Madness (1936). However, Tod Browning's grotesque Freaks (1932), was deliberately advertised as "the strangest...most startling human story ever screened," and had alternate titles including Forbidden Love, The Monster Show, and Nature's Mistakes. It used real-life dwarfs, pinheads, and other human freaks (portraying sideshow circus performers) to present a jolting story of revenge.
When first released, Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) and Almost Famous (2000) were almost instantly pronounced as cult films, but as time progressed, they didn't really fit the category. They were highly-acclaimed, award-winning films that were prominently shown in the mainstream, and it had been too early to judge them as cult films. The media often labels an unusual film as a 'cult film' when it really shouldn't. It takes time for a film to reach cult status.
Camp films are cult-type films, but they are often poorly made or ludicrous, yet still enjoyable and appreciated. Cult films follow no rules or pattern - some cult films are popular only among certain limited groups of audiences or friends.
Music-Based Cult Films:
Some cult films are music-based, such as director Rob Reiner's This is Spinal Tap (1984), a tongue-in-cheek spoof of rock documentaries, following a faux British heavy metal band's disastrous US tour; Pink Floyd: The Wall (1982), a bizarre film based on the popular rock album; Ken Russell's Tommy (1975), the Who's rock opera about a deaf, dumb, and blind kid who sure plays a 'mean pinball'; and The Blues Brothers (1980), a farcical musical comedy involving two loser musicians who resurrect their old blues band.
The first of two other quintessential rock musical cult films include the transgender The Rocky Horror Picture Show (1975) - notable for inspiring the craze of interactive, 'midnight movie' screenings. The iconic film was essentially a trashy tale set in a mysterious castle with kinky extraterrestrial Transylvanian transvestites, two stranded young people (including an underwear-clad Susan Sarandon), and a mad scientist. The second was a rebellious teenage musical comedy Rock 'N' Roll High School (1979) that featured a rock band named The Ramones. Perry Henzell's urban-crime drama The Harder They Come (1973) with musical star Jimmy Cliff, featured a reggae soundtrack and a seamy look at poverty and crime in Jamaica.
Well-Regarded Cult Films:
A number of cult films are well-regarded, such as Frank Capra's It's a Wonderful Life (1946), that became popular many years after its initial release due to repeated television showings. Likewise, the classic weeper An Affair to Remember (1957) has developed a loyal following (it was a remake of Love Affair (1939), was paid homage in Sleepless in Seattle (1993) and remade as Love Affair (1994) with Warren Beatty and Annette Bening).
Others include the science fiction classic Forbidden Planet (1956) that has developed a wide cult following, Kubrick's intriguing A Clockwork Orange (1971) - a surrealistic tale of an ultra-violent future and the danger of psychological reconditioning, or Coppola's anti-Vietnam war epic of a terrifying journey into hell in Apocalypse Now (1979), or another Kubrick classic, Dr. Strangelove Or: How I Stopped Worrying and Learned to Love the Bomb (1964).
Frank Darabont's subversive, allegorical, and life-affirming prison story about two life-sentenced prisoners, The Shawshank Redemption (1994), based upon a Stephen King story, failed at the box-office during its original release, but established a strong cult following its video release. George Roy Hill, the director of such Oscar-winning hits as The Sting (1973) and Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969), also helmed the comedy-drama Slap Shot (1977) with Paul Newman - noted as one of the raunchiest, most foul-mouthed, macho sports films ever made. Another highly-regarded cult film is Monte Hellman's low-budget Two-Lane Blacktop (1971) - a late 60s to early 70s entry in the road film genre - that was both an existential character study and a car-chase/race film.
A visually rich Philip-Marlowe style detective film, director Ridley Scott's Blade Runner (1982), set in futuristic, proto-punk Los Angeles in 2019, and about an ex-cop (Harrison Ford) who hunts down renegade human replicants, has developed a wide cultish following. An early 70s big-cult favorite was director Hal Ashby's dark, eccentric and macabre Harold and Maude (1971) about a strange taboo romance between a 20 year-old boy (Bud Cort) and a fun-loving, joie-de-vivre 79 year-old woman (Ruth Gordon) to the tune of a Cat Stevens soundtrack - with ingenious scenes of the spoiled rich boy's mock suicide attempts staged to upset his mother. A year earlier, Bud Cort had starred in Robert Altman's quirky and satirical fairy tale Brewster McCloud (1970) as a bespectacled boy living in the Houston Astrodome where he was building a machine to escape and fly away. The Sound of Music (1965) when re-released in the late 20th century was presented as a sing-along version (with subtitles) along the lines of the participatory Rocky Horror, with fans dressing up as nuns, lonely goatherds and Nazis.
Conversely, some of the most praised films have pornographic origins, such as the ground-breaking Behind the Green Door (1972) due to its star Marilyn Chambers appearing in her first adult role (she was a former All-American Girl and Ivory Snow detergent model).
——http://www.filmsite.org/cultfilms.html
Most cult films cut across many film genres (science fiction, horror, melodrama, etc.), although some film genres are also more prone to being cultish, such as the horror or sci-fi genres. Teen comedies are also more often rated as cult films, such as Dazed and Confused (1993), and Fast Times at Ridgemont High (1982), with quotable lines of dialogue, and memorable characters and scenes.
Many cult films feature or effectively showcase the performance of newcomers or other unknown talented actors/actresses. These often-obscure and cheesy films are usually made by maverick, highly individualistic film-makers with low-budget resources and little commercial marketing. And cult films are rarely, if ever, sequels, since then they would have attained mainstream appeal and widespread success. Some directors are more prone to making cult films, such as John Waters, Quentin Tarantino and David Lynch, especially early in their careers, because of their individualistic perspective and style, although they can often make a conventional 'mainstream' film too (such as David Lynch's The Straight Story (1999)).
Many cult films fared poorly at the box office when first shown, but then achieved cult-film status, developing an enduring loyalty and following among fans over time, often through word-of-mouth recommendations. Sometimes, they were revolutionary, brilliant films 'before their time' (i.e., Fantasia (1940)) and not bound by the conventions of their day.
They elicit a fiery and intense passion in devoted fans, and may cause cultists to enthusiastically champion and become devoted to these films, leading to audience participation, fan club membership, and repetitive viewings and showings. Cult films have tremendous followings with certain groups, e.g., college campuses, 'midnight movie' crowds, independent film lovers, etc. Cult movie worshippers persuasively argue with all about the merits of their choices, without regard for standard newspaper or movie reviews from critics.
There's no hard-and-fast rule or checklist to gauge what makes a cult film. A cult film is often designated as such "in the eye of the beholder" without fufilling any definition. It's often a matter of opinion. One viewer's cult film may not be judged the same by another viewer. And just because a segment of devoted viewers (pre-teen girls) repeatedly watch a film - such as Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (2003) - to view its star Johnny Depp, or Titanic (1997) (to see Leonardo Di Caprio), or to view the latest George Lucas Star Wars film, doesn't make a film a cult film. However, there are the most popular cult films, such as The Rocky Horror Picture Show (1975) and any of the Star Trek films, that have developed cult followings with all the trappings.
One of the biggest, best-known cult films was not intended to become so popular. It was a low-budget, government 'documentary' propaganda film from the mid-30s created to dramatize the dangers of marijuana use and demon weed - Reefer Madness (1936). However, Tod Browning's grotesque Freaks (1932), was deliberately advertised as "the strangest...most startling human story ever screened," and had alternate titles including Forbidden Love, The Monster Show, and Nature's Mistakes. It used real-life dwarfs, pinheads, and other human freaks (portraying sideshow circus performers) to present a jolting story of revenge.
When first released, Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) and Almost Famous (2000) were almost instantly pronounced as cult films, but as time progressed, they didn't really fit the category. They were highly-acclaimed, award-winning films that were prominently shown in the mainstream, and it had been too early to judge them as cult films. The media often labels an unusual film as a 'cult film' when it really shouldn't. It takes time for a film to reach cult status.
Camp films are cult-type films, but they are often poorly made or ludicrous, yet still enjoyable and appreciated. Cult films follow no rules or pattern - some cult films are popular only among certain limited groups of audiences or friends.
Music-Based Cult Films:
Some cult films are music-based, such as director Rob Reiner's This is Spinal Tap (1984), a tongue-in-cheek spoof of rock documentaries, following a faux British heavy metal band's disastrous US tour; Pink Floyd: The Wall (1982), a bizarre film based on the popular rock album; Ken Russell's Tommy (1975), the Who's rock opera about a deaf, dumb, and blind kid who sure plays a 'mean pinball'; and The Blues Brothers (1980), a farcical musical comedy involving two loser musicians who resurrect their old blues band.
The first of two other quintessential rock musical cult films include the transgender The Rocky Horror Picture Show (1975) - notable for inspiring the craze of interactive, 'midnight movie' screenings. The iconic film was essentially a trashy tale set in a mysterious castle with kinky extraterrestrial Transylvanian transvestites, two stranded young people (including an underwear-clad Susan Sarandon), and a mad scientist. The second was a rebellious teenage musical comedy Rock 'N' Roll High School (1979) that featured a rock band named The Ramones. Perry Henzell's urban-crime drama The Harder They Come (1973) with musical star Jimmy Cliff, featured a reggae soundtrack and a seamy look at poverty and crime in Jamaica.
Well-Regarded Cult Films:
A number of cult films are well-regarded, such as Frank Capra's It's a Wonderful Life (1946), that became popular many years after its initial release due to repeated television showings. Likewise, the classic weeper An Affair to Remember (1957) has developed a loyal following (it was a remake of Love Affair (1939), was paid homage in Sleepless in Seattle (1993) and remade as Love Affair (1994) with Warren Beatty and Annette Bening).
Others include the science fiction classic Forbidden Planet (1956) that has developed a wide cult following, Kubrick's intriguing A Clockwork Orange (1971) - a surrealistic tale of an ultra-violent future and the danger of psychological reconditioning, or Coppola's anti-Vietnam war epic of a terrifying journey into hell in Apocalypse Now (1979), or another Kubrick classic, Dr. Strangelove Or: How I Stopped Worrying and Learned to Love the Bomb (1964).
Frank Darabont's subversive, allegorical, and life-affirming prison story about two life-sentenced prisoners, The Shawshank Redemption (1994), based upon a Stephen King story, failed at the box-office during its original release, but established a strong cult following its video release. George Roy Hill, the director of such Oscar-winning hits as The Sting (1973) and Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969), also helmed the comedy-drama Slap Shot (1977) with Paul Newman - noted as one of the raunchiest, most foul-mouthed, macho sports films ever made. Another highly-regarded cult film is Monte Hellman's low-budget Two-Lane Blacktop (1971) - a late 60s to early 70s entry in the road film genre - that was both an existential character study and a car-chase/race film.
A visually rich Philip-Marlowe style detective film, director Ridley Scott's Blade Runner (1982), set in futuristic, proto-punk Los Angeles in 2019, and about an ex-cop (Harrison Ford) who hunts down renegade human replicants, has developed a wide cultish following. An early 70s big-cult favorite was director Hal Ashby's dark, eccentric and macabre Harold and Maude (1971) about a strange taboo romance between a 20 year-old boy (Bud Cort) and a fun-loving, joie-de-vivre 79 year-old woman (Ruth Gordon) to the tune of a Cat Stevens soundtrack - with ingenious scenes of the spoiled rich boy's mock suicide attempts staged to upset his mother. A year earlier, Bud Cort had starred in Robert Altman's quirky and satirical fairy tale Brewster McCloud (1970) as a bespectacled boy living in the Houston Astrodome where he was building a machine to escape and fly away. The Sound of Music (1965) when re-released in the late 20th century was presented as a sing-along version (with subtitles) along the lines of the participatory Rocky Horror, with fans dressing up as nuns, lonely goatherds and Nazis.
Conversely, some of the most praised films have pornographic origins, such as the ground-breaking Behind the Green Door (1972) due to its star Marilyn Chambers appearing in her first adult role (she was a former All-American Girl and Ivory Snow detergent model).
——http://www.filmsite.org/cultfilms.html
6 ) 没有午餐，只有裸体
纳博科夫说过，一些所谓的名著，只不过是一个个巨大的石膏体，读完美国作家威廉·巴勒斯的小说《裸体午餐》之后，我实在有些迷惑，我实在无法判断它是不是那巨大的石膏体，也不知它是不是该挨几锤子。
《在路上》（杰克·凯鲁亚克）的中文本译者王永年（他同时也是《博尔赫斯文集》的主要译者）曾经这样评价《在路上》：
“我觉得《在路上》不能算小说，跟我以前翻译的小说很不一样，缺乏必要的结构，读起来比较乱，也没有情节，更加散文化一点。这种喷薄而出的写法倒是更像德莱塞，但德莱塞的作品是现实主义的路子，《在路上》则没有这种关怀在里面，可以说是一种‘事实主义’。它有点类似于西方报纸的特稿写作，忠实记录作家的见闻，也不讲写作技法，所以我觉得它不能算小说。”
如果说《在路上》不能算是小说，那么《裸体午餐》更不能算是小说了。
威廉·巴勒斯和杰克·凯鲁亚克是哥们儿，所谓“垮掉的一代”的代表，他们彼此之间的影响自然是不用说的，连他的小说的名字《裸体午餐》都出自杰克·凯鲁亚克的提议，王永年对于《在路上》的评价一样也适合《裸体午餐》，如果非要在这个评论上加一个字来形容《裸体午餐》，那只需加一个“更”字。那就是与《在路上》相比，《裸体午餐》更没有必要的结构，读起来更乱，更没有情节，更散文化一些，散得不能再散，绝对让大多数读者晕头转向。
《在路上》虽然是一本不太象样的小说，但总还有那个几个能让人记住的主人公，虽然很乱，都总有一条算不得太清晰的线索，还有朦朦胧胧的主题，虽然不外从美国东部到西部，又从西部到东部，或者从美国到墨西哥，再从墨西哥到美国，中途不外打架、吸毒、乱交，无论如何，只要他们“在路上”，他们就有某种时代的意义或者象征，但是在《裸体午餐》里呢？什么也没有。
在《裸体午餐》序言的最后，有这样的句子：
“全世界服用止痛剂的孩子们联合起来，我们失去的只是贩毒者，而他们是多余的。看清楚，看清楚吸毒的路，不要贸然踏上去，结交乌合之众。”
这样的句子，颇像李渔的《肉铺团》开篇语中的劝世良言，这给人一种假像，《裸体午餐》一定会是一本瘾君子的忏悔录吧？但马上你就知道，以其说它是一本忏悔录，不如说它是一本吸毒史、淫乱史、堕落史、犯罪史，无论算作哪种历史，在其中你绝看不到半点的悔意，有的只是冷冰冰的、不带任何感情色彩的记录。
吸毒体验我相信对于大多数读者是陌生的，但与性相关的东西对于大多数成年人来说，虽然不能尝尽各种可能，但多多少少都会经历一些。在《裸体午餐》中淫乱场面可谓穷尽了性的各种可能，男女、男男、女女、女男、老少、少老、口交、肛交，性虐、NP等等等等，你能想到的各种情色场面细节，无一不得以呈现，怪不得有人说，既然《裸体午餐》能公然在中国出版，《金瓶梅》为什么至今仍是限制级的呢？但以此说《裸体午餐》是一本以“重口味”来媚俗或者媚雅的小说，显然是不公平的。
虽然可以用各种“史”来称呼《裸体午餐》，但它绝对不是老老实实的卷宗，当你耐着性子读完一章，对几个人物有了模糊有印象，用纷乱的对话、场面拼凑出小说接下来的发展趋势时，这一章基本就结束了。
在接下来的一章里，已经换了不同的人物，不同的场景，你细心地回首上一章，但你无论如何找不出它们之间的必然联系，不仅如此，你在以后的，所有章节里，也休想找到各章节之间的彼此联系来，除是偶尔几个曾经出现的人物。《裸体午餐》任何一章，你其实都可以当作一篇短篇小说来看。确实，不同的人物，在不同的章节里偶尔出现过，但你看不出，不同章节的同一个人物之间有什么逻辑发展关系。
《裸体午餐》的各章节与其说是的小说，不如说，它们是在作者威廉·巴勒斯的牵引下读者做的一个个纷纷扰扰的梦，而你知道差不多所有的梦都是不合逻辑、千奇百怪、恐怖、锁碎、混乱，而当你醒来，那些曾经让你在其中挣扎的梦也差不多已经忘得一干二净，虽然你想细细的把它们回想一遍，疏理一遍。
有人说，《裸体午餐》暴露的是资本主义社会腐朽、没落的生活，但我觉得，他其实揭示的只是人可能到达、堕落（无贬意）的极限，这种堕落，既是肉体上的，也是心灵上的，而性、毒品只不过是通往堕落之路的媒介，没有它们，一样会有其他的媒介。
《裸体午餐》虽然不同于任何曾经出现的小说文本，但我相信威廉·巴勒斯决不是在有意做某种文本实验，我相信《裸体午餐》的文本之所以呈现出现在的样子，就只是因为威廉·巴勒斯自己所说：“大多数的幸存者记不清当时的迷乱状态，而我似乎对这种疾病和迷乱状态做了详细的笔记。”
而《裸体午餐》何以写得如此的“乱“，其实威廉·巴勒斯自己已经解释得很清楚了：
“你可以在任意一个交叉口切入《裸体午餐》……作家所能撰写的只有写作时他意识里的东西……，我不想刻意编造‘故事’、‘情节’、‘连贯性’……，我在成功地直接记录精神活动的某些领域的同时也会存在不足……，我不是一个给别人提供消遣的人⋯⋯”
《在路上》（杰克·凯鲁亚克）的中文本译者王永年（他同时也是《博尔赫斯文集》的主要译者）曾经这样评价《在路上》：
“我觉得《在路上》不能算小说，跟我以前翻译的小说很不一样，缺乏必要的结构，读起来比较乱，也没有情节，更加散文化一点。这种喷薄而出的写法倒是更像德莱塞，但德莱塞的作品是现实主义的路子，《在路上》则没有这种关怀在里面，可以说是一种‘事实主义’。它有点类似于西方报纸的特稿写作，忠实记录作家的见闻，也不讲写作技法，所以我觉得它不能算小说。”
如果说《在路上》不能算是小说，那么《裸体午餐》更不能算是小说了。
威廉·巴勒斯和杰克·凯鲁亚克是哥们儿，所谓“垮掉的一代”的代表，他们彼此之间的影响自然是不用说的，连他的小说的名字《裸体午餐》都出自杰克·凯鲁亚克的提议，王永年对于《在路上》的评价一样也适合《裸体午餐》，如果非要在这个评论上加一个字来形容《裸体午餐》，那只需加一个“更”字。那就是与《在路上》相比，《裸体午餐》更没有必要的结构，读起来更乱，更没有情节，更散文化一些，散得不能再散，绝对让大多数读者晕头转向。
《在路上》虽然是一本不太象样的小说，但总还有那个几个能让人记住的主人公，虽然很乱，都总有一条算不得太清晰的线索，还有朦朦胧胧的主题，虽然不外从美国东部到西部，又从西部到东部，或者从美国到墨西哥，再从墨西哥到美国，中途不外打架、吸毒、乱交，无论如何，只要他们“在路上”，他们就有某种时代的意义或者象征，但是在《裸体午餐》里呢？什么也没有。
在《裸体午餐》序言的最后，有这样的句子：
“全世界服用止痛剂的孩子们联合起来，我们失去的只是贩毒者，而他们是多余的。看清楚，看清楚吸毒的路，不要贸然踏上去，结交乌合之众。”
这样的句子，颇像李渔的《肉铺团》开篇语中的劝世良言，这给人一种假像，《裸体午餐》一定会是一本瘾君子的忏悔录吧？但马上你就知道，以其说它是一本忏悔录，不如说它是一本吸毒史、淫乱史、堕落史、犯罪史，无论算作哪种历史，在其中你绝看不到半点的悔意，有的只是冷冰冰的、不带任何感情色彩的记录。
吸毒体验我相信对于大多数读者是陌生的，但与性相关的东西对于大多数成年人来说，虽然不能尝尽各种可能，但多多少少都会经历一些。在《裸体午餐》中淫乱场面可谓穷尽了性的各种可能，男女、男男、女女、女男、老少、少老、口交、肛交，性虐、NP等等等等，你能想到的各种情色场面细节，无一不得以呈现，怪不得有人说，既然《裸体午餐》能公然在中国出版，《金瓶梅》为什么至今仍是限制级的呢？但以此说《裸体午餐》是一本以“重口味”来媚俗或者媚雅的小说，显然是不公平的。
虽然可以用各种“史”来称呼《裸体午餐》，但它绝对不是老老实实的卷宗，当你耐着性子读完一章，对几个人物有了模糊有印象，用纷乱的对话、场面拼凑出小说接下来的发展趋势时，这一章基本就结束了。
在接下来的一章里，已经换了不同的人物，不同的场景，你细心地回首上一章，但你无论如何找不出它们之间的必然联系，不仅如此，你在以后的，所有章节里，也休想找到各章节之间的彼此联系来，除是偶尔几个曾经出现的人物。《裸体午餐》任何一章，你其实都可以当作一篇短篇小说来看。确实，不同的人物，在不同的章节里偶尔出现过，但你看不出，不同章节的同一个人物之间有什么逻辑发展关系。
《裸体午餐》的各章节与其说是的小说，不如说，它们是在作者威廉·巴勒斯的牵引下读者做的一个个纷纷扰扰的梦，而你知道差不多所有的梦都是不合逻辑、千奇百怪、恐怖、锁碎、混乱，而当你醒来，那些曾经让你在其中挣扎的梦也差不多已经忘得一干二净，虽然你想细细的把它们回想一遍，疏理一遍。
有人说，《裸体午餐》暴露的是资本主义社会腐朽、没落的生活，但我觉得，他其实揭示的只是人可能到达、堕落（无贬意）的极限，这种堕落，既是肉体上的，也是心灵上的，而性、毒品只不过是通往堕落之路的媒介，没有它们，一样会有其他的媒介。
《裸体午餐》虽然不同于任何曾经出现的小说文本，但我相信威廉·巴勒斯决不是在有意做某种文本实验，我相信《裸体午餐》的文本之所以呈现出现在的样子，就只是因为威廉·巴勒斯自己所说：“大多数的幸存者记不清当时的迷乱状态，而我似乎对这种疾病和迷乱状态做了详细的笔记。”
而《裸体午餐》何以写得如此的“乱“，其实威廉·巴勒斯自己已经解释得很清楚了：
“你可以在任意一个交叉口切入《裸体午餐》……作家所能撰写的只有写作时他意识里的东西……，我不想刻意编造‘故事’、‘情节’、‘连贯性’……，我在成功地直接记录精神活动的某些领域的同时也会存在不足……，我不是一个给别人提供消遣的人⋯⋯”
理解不能。
那个制作black meat的巫婆是Will&Grace里的Rosario吗！！！！！！！
it's time for cult 《nacked lunch》是那种...像冰凉的黑色液体慢慢渗入到皮肤里，皮肤在变色，并感受到温度的降低，皮下的某个或某些部位在瘙痒，但抓不到准确的位置，找不到确切的入口，知道它的存在和它存在带来的变化，却摸不到看不见也表述不出的电影。now...it's time for cult.这又是一部被认知成“my style”的电影，像树婴、涨潮海岸一样被攫取到自己的体内，当别人提到我的名字的时候，就该一同说出它，例如可以在我冗长的墓志铭里写上诸如“十
写作对于作家而言，就是一种社会化的性行为，不论是金甲虫的肉色肛门，还是玛格瓦姆的提神粘液，都充斥着赤裸裸的肉欲。整个控制体系利用你“心中的污点”（原欲），让你沉迷于其不断更新的毒品（意识形态）所营造的幻觉，而在追逐欲望的循环中无可自拔。【9↑】
你知道作家的生存是多么艰难，你知道CULT片的诞生是多么纠缠。异化的内心世界，随着用肛门说话的甲虫变得鲜血淋漓。无比邪恶怪诞的场面信手拈来，不过分夸张煽情，你看第二第三遍的时候，就能如同面对自己晦涩的内心一样来面对那些可怖的隐喻。其实总的来说我没看懂，还是大卫林奇能够理解一点。
影片改编自美国作家威廉·巴洛斯的同名经典颓废小说，小说的主题是海洛因和吸毒。影片所涉及的则全是虚构的所谓“毒品”，毒品在片中仅仅作为背景出现。这是最接近柯南伯格自己的《录影带谋杀案》的风格的作品，充满大量超现实和隐喻；也很像同年的科恩兄弟的《巴顿·芬克》，只不过更加晦涩。
一场关于写作的隐喻。比预期的低了一点点……因为如果按原作来的话，大概只能改成泡面番了，而那颠狂气控制的扭曲感画面，导演只能是汤浅政明了（见samurai champloo某话）。另，北非毒品爵士……这样的关键词，难道渡边（Cowboy Bebop剧场）有致敬？
化用剧中人的语言来讲，观看柯南伯格的《裸体午餐》确乎有种“卡夫卡式的快感”。诸多意象令人想起卡夫卡的《变形记》。甲虫代表着Bill或说每个人本人内心被压制的酒神欲望，认同却不敢承认的内心世界。而结尾无疑形成了一个新的环形结构，伴随西西弗斯式无奈与宿命轮回，欢迎来到安耐克斯
怪诞象征中的挣扎与绝望，本质上是柯南伯格的《穆赫兰道》。相较于林奇的诡谲梦幻，柯南伯格的梦魇更为冷硬，呈现的是更富视觉冲击力的惊悚。虽然过于直白的影像呈现与幽郁且含蓄暧昧的文本情境有一点割裂，但柯南伯格这次在形象之外讲好了故事，属实难得，且足够惊喜
【C–】对各种隐喻体系的编排交织和柯南伯格标志性的邪魅道具所共同构成的作者表达已经到了让人作呕的地步，可以用晦涩来搪塞，但也止步于此。
@ Prince Charles Cinema 搞隐喻大概没几个人搞得过柯南伯格，他那令人发指的美学观念和极尽恶心的隐喻指称对象让我心服口服，极端异质的影像某种程度上完美还原了原著，现实与幻想交织，如同一个吸毒者混沌大脑的癔症。逃离如果是向着interzone，困顿宿命还是注定的，毕竟没人逃得出自己内心的阴影。
1.这片子的成功改编，意味着颠覆了巴勒斯的巴勒斯，也许是更成熟的巴勒斯；2.结尾其实就是字面意思，杀死爱（和空气同在的瘾），是从内心边境进入的通行证……
如果对威廉·巴勒斯的生平，以及他的作品有一定了解，这会是一部有趣的电影。现实与幻想交叉，充斥着吸毒者的癔症；遍布隐晦的情色，同性与异性的，加上柯南伯格的恶心美学或者说虫子美学，无法不称之为经典。再不济也会是一部蒙太奇教材范本。
总是让我想到《巴顿芬克》。虽然晦涩不堪,但隐喻的超现实风格显著。
柯南伯格与巴勒斯合体构建的异质性世界令人着迷，我一度感到头皮发麻，仿若有水蛭从毛孔中排泄出来。服麻醉品的迷幻旅程&颓废堕落的社会象喻。结构有如半切开的洋葱，辛辣繁复。甲虫打字机，遭批量屠宰的巴西大蜈蚣，枪击游戏，蜕下的女性皮囊，打字机的互撕与碎裂，笼中人兽黏附似[怪形]。（8.5/10）
太难懂了...各种无逻辑的剪辑满是隐喻的台词，就像进入因杀虫粉变High的柯南伯格的大脑，他所有疯狂恶心变态色情扭曲的幻想一并爆发，可惜我实在受不了那些让我浑身不适的虫类...
隐喻，隐喻，隐喻。让我们这些无比反感唧唧歪歪的人情何以堪
战后文人的状态：披着君子面具的颓废内心，沉浸在虚幻的精神世界中。 p.s.由于智力原因，并没有太看进去
怕虫党缩成了一小团 捂着眼睛从指缝里偷偷地看完了 久违的 温馨感。。。
在气质上，柯南伯格是最接近卡夫卡的天才导演。他又一次为我们构建了一个充满诡谲和梦幻的世界，生理上的不适感逐渐被探索的好奇所代替。「异化」的主题作为最直白的表述付诸在以文学写作为基础的行为当中，虫化的比喻阴冷潮湿，甚至带着无法抵抗的粘稠和诱惑，当人格分裂和幻觉逐渐占据上风，癫狂的想象力开始主宰整个世界。即使原著没读过，隐喻没看懂，也不影响这是一部具有魔力的作品。