大多优秀的剧目,都基于一个优秀的原著,只要主创团队尽心尽力,稍加打磨,再发挥一点点创造力,最后呈现的效果都不会太差。 但这帮演员也太优秀了!每一个卡点,每一个细节动作,每一句台词,一气呵成,堪称完美。甚至是非常细微的情绪调动,都照顾到了。整个舞台设置也是天花板级别,以低于观众席的形式呈现,在有限的空间里,做到了空间的无限延伸,观众看得更完整,体验感拉满。 舞台上没有固定的装置,所有道具都可变形可移动,身着单一颜色的配角们,把身着亮色衣服的男主衬托得更突出。对于大多数自闭症患者来说,他们都有一套自己的逻辑,世界上所有的事物运行,都不能跳出这套逻辑。但他们也总是在某一方面有着特殊的天赋,对身边所有熟悉的东西,都会跟自己产生链接,这可能是常人感知不到的 ,但导演把家里所有的家具都“活物化”了,神级操作啊!她太了解自闭症了! 最喜欢在家幻想自己遨游太空的那一段,导演真的把梦演出来了!赞!
故事的最后,男主把将来的目标从“我想开着自己的飞船去遨游太空”变成了“我要成为一个科学家”,谁说我无法融入这个世界呢,谁说我就做不到呢?
一位患有阿斯伯格综合症(自闭症的一种亚型)的骚年为侦破邻居小狗谋杀案,只身登上去伦敦的火车,开启的一段大闹天宫的颠覆旅程。一言以概之,即少年谢尔顿大型社死&车祸现场。该剧为英美十年来的现象级话剧,在全球上演超过3000场,观众逾300万,囊括7项奥利弗大奖和5项托尼奖。引起青年观众强烈共鸣的并非是戏剧对这一小众病例的出神刻划和终极关怀,而是它戏剧化地高度可视化了现代社会个人深陷在被国家体制,技术资源,经济水平,文化等级所垒砌的囹圄之中,尽管铁壁上也接驳了互联网的虚拟赋能以及游戏赋予的假性互动,但其造成现代魔症又岂止大规模的社恐和人际隔膜。小说和戏剧为广大囚徒们提供了一次越狱的围观狂欢,但底子仍是“人生而自由,却无往不在枷锁中”的现代版实景寓言。
关于原著:英国大斜杠马克·哈登2003年的小说处女作,出版当年超《哈利·波特》登英国畅销榜首。已被翻译成38种文字。
关于版本型号:2012年,受哈登之邀,剧作家西蒙·史蒂芬斯将其改编成话剧,并由《战马》导演玛丽安妮·艾略特于当年搬上英国国家剧院特斯洛剧场,这是该剧唯一在环形剧场演出,NTL播出的版本就是在这里录制的。2013年该剧转战西区剧场,开启魔盒式舞台的演出格式,2014年百老汇版本上演,2018年该剧举行世界巡演,登陆中国。
原本看这部戏是一个冲动:单纯觉得这学期还没怎么看戏,刷一刷微博正好看到不少人在出票,又是英国国家剧院出的戏,拿奖多、口碑好,就买了昨晚的票去看。
总体来说,作为一部现代戏剧,情节编排和视觉效果都是一流(从最后主角报幕说出的那些机器名称就可见一斑),很多从未见识过。但从个人喜好来讲,故事内容本身不够强;但我不该在这部戏里继续提出要求,而是应该自己去看看一些其他的戏剧了。
这部剧一流的情节编排和视觉效果都有一个基点:第一人称叙述。这部戏选择了一个自闭症少年作为核心,并且通过第一人称来叙述,这就说明它是全然主观化的:所有的台词、布景,乃至周围人的行动都加上了主人公的心理效果,被放大、缩小和拉扯。观众也不再是一个观察者,而是走进了主人公的内心。这样的剧一旦效果做好,显然感染力是非常强的。在《深夜小狗》中就达到了一个很高的水平。
首先,虽然是第一人称叙述,但是这种叙述方式被两个叙述主体(甚至可以说三个)复杂化了:一个是主角Christopher本人,一个是他的日记,而他的日记主要是通过他的老师朗读而呈现出来的。当开场女老师坐在一边朗读Christopher的日记,而他本人和对话对象站在一起时,我糊涂了一会儿,随后才理解老师的朗读内容和主人公是对应的。这感受很新奇:christopher是位男生,而朗读确是女声。不知道这里是否是一种刻意的编排?
日记在情节编排中也确实起到了一定作用。《深夜小狗》的情景转换非常频繁,快的时候可能几分钟就是一幕戏。这大概也是主观化的一种体现:在christopher眼里世界就是碎片化的。情景的转化不仅在客观的事实之间,也在事实和他的回忆、想象之间。这使我想起了《喧哗与躁动》的第一章,就是从这一家族中中的“弱智”成员的视角来叙述。回忆和事实不断交错进行,又因为回忆是被事实所引起的,交错的情节又享有一定的共性——如果没有作者的注释,读者完全是一头雾水。
这也就引出了《深夜小狗》所面临的、也被完美解决甚至不再是问题而成为亮点的一个问题:如何确保观众能分清现实与回忆、回忆与回忆?
首先《深夜小狗》中事实的交错没有那么复杂。主要叙事线是很清晰的:小狗被杀——主角调查——发现母亲并非死亡,而是抛弃了他——发现父亲撒谎、还杀死了小狗——前往伦敦寻找母亲——和母亲一起返回原来的家,与父亲重归于好。
在前几个板块中christopher回忆的出现相当频繁,如主角被怀疑杀死小狗时,想起了与父亲的对话;与老太太交谈时,想到了海边的母亲。而找到母亲以后剧情发展的速度陡然加快,甚至有点仓促的嫌疑。而Christopher的想象都贯穿其中:他渴望成为宇航员、他不喜欢与人交往、人们坐火车的时候都在想些什么。这些想象都被现实化了,Christopher的内心被完全呈现在我们面前。
日记在梳理情节上起到了一定的作用:它帮助我们区分现在时和过去时。如果是女老师在朗读,那就是christopher所记录的过去发生的事情。然而日记与现实又不是完全脱节的,有时候日记念着念着christopher又跳到了我们面前,接着日记的内容前行。
视觉效果,包括舞美和表演,就是表达情节的中心所在了。我想说的是,这部戏剧的视觉很接近电影效果。
首先情景转换主要是通过灯光、音效和演员动作达成的。《深夜小狗》这部剧舞台很小,也许为了表达主人公的自闭特点,做成了立方体的三面封闭空间。因此转场的空间很小。很多时候一个情景的切换,表现在一个演员上就是他转过身与另一个人进行对话。这是灯光也完全转移向另一方,而其他角落的角色都处于黑暗之中。这种切换真的很像电影镜头的蒙太奇。
最精妙的一个切换莫过于上下场之间,这正好是Christopher从家到伦敦的一个转折点。在此之前,当女老师在读他的日记,那些对母亲写的信的记载的时候,男主角一直在舞台上忙着玩玩具,仿佛在搭建什么。而最后谜题揭晓了:舞台的左边是家的模型,右边是世界都市的模型,一辆小货车呜呜地启动了,从家一直驶向了伦敦。
此外,这部戏对演员水平的要求很高,他们不仅需要在一个正方形空间中表现出场景的差别,甚至需要表现出时间的差别,并且有时候自身作为道具。比如男主角在讲述自己在家里通常干什么的时候,其他的几个角色都扮演了冰箱、床、靠椅等等物件,而且不是静态的扮演,而是动态的。印象很深的是一个提款机的扮演,女人扮演的吞吐钞票的提款机,很有色情意味;观众也明白得很快,适时地笑了。此外还有一个场景,是男主角与老太太对话后,后者进屋拿蛋糕和饮料出来。在这个时候为了表现老太太的行动缓慢,她的动作被放得奇慢无比,整个情节里她就转了个身;但是与此同时,不在灯光之下的其他角色的动作就仿佛被快进了。这是第一个是我惊讶的镜头,也是非常电影化的一个镜头。如果没有视频或者电影,这样的效果很难被想象出来,观众看到了也未必能懂得。
这里面还有很多很电影化的表达。这样的电影化与主观视角也是结合在一起的。
譬如当男主角想到自己的母亲的时候,她就以一个海边玩耍的热情少妇的形象出现了,这时整个舞台的基调都是蓝色的。这个情节如此使我感动,因为当男主角并不处于这个蓝色基调之中时,它明显是一段回忆;而这段回忆又生动地体现为一个在海浪中翻滚、一个对自己的儿子招手呼喊的形象。值得一提的是,在这个情节里其他演员又扮演了海浪;在他们双手的托举之下母亲得以完成“翻滚”这一动作,太迷人了。
譬如当男主角阅读自己偷偷翻出的母亲的书信的时候,这些信被其他的演员拿起环绕在他四周;当他翻找父亲的床底的时候,其他演员坐成了一个三乘三的正方形,每个人手里拿着一个被翻找出的物品:五只鞋子、一节饼干、一条内裤等等,并做出一些适时的反应(一个人吃了饼干,一个人觉得内裤太脏扔掉了),简直活灵活现。还有男主角在火车上时,他说其他人只会注意到一些东西而自己能注意到全部。这时列车上的其他角色就从冷漠的旁观者化为了他想象的陈述者,他们一个接一个地说自己坐在列车里都在想些什么。
这里引用一段动作导演的话作为参考:
“如果他把自己描绘成漂浮在太空中的人,那么他着实将在太空中漂浮。如果帕丁顿车站充满了紧张的互动,那么我们必须看到这种恐惧。如果克里斯托弗想向我们展示这个方面,那么我们就会看到它。这使得其他角色成为协作演员,并与克里斯托弗发生身体接触。我们必须找到一个逻辑来使克里斯托弗飞行这事儿行得通。这种接触与他不喜欢身体接触是不矛盾的。”
在christopher去伦敦寻找母亲的路上,主观化最为明显。因为他完全独自一人,观众看到的世界不是客观世界,而是他眼里的世界。在这个世界里,车站是一团乱麻:各种各样的广告在舞台三面墙上以视频的形式堆作一团,刺耳的语音在观众耳边作响;行人是冷漠的,黑色的,急促的。身着橙色衣服的christopher就这样在这个冰冷喧嚣、没有逻辑可言的世界中穿行。
其中有一些设计十分有趣:当christopher在大雨中问路时,整个舞台是黯淡的,他穿着橙衣,而问询对象举着一把荧光绿伞,其他“黑色”的行人都演出了冒雨前行的样子。这个场景的视觉冲击力很强。此外还有Christopher两次问路的两个对象(其实都属于“工作人员”这一归类)是不同服饰的同一演员饰演的,同样的傲慢和毫不关心。再就是,为了体现christopher如何艰难地从伦敦车站走回家,他甚至被几位演员托举着“飞檐走壁”。这部戏的每一个场景都经过了精心的设计,没有一幕的视觉效果是会让人舍得移开眼睛的。
最后,这部戏的互动效果也很好。比如体现在剧本里,女老师几次直接表达了这是一幕戏:“我们能否把你的日记改为一幕戏剧?”“你要解题的话就谢了幕再解吧,没有观众喜欢看这个”。但观众并不感到跳戏,这也许是因为回答老师这些问题的christopher仍在角色里,面对这些问题仍以一个自闭症的形象进行反应,反而更加真实。还有个细节,当男主角在翻找父亲的床底时,他手中的电筒射向了观众席,基本上每个人的脸都被扫到了一次,仿佛自己是在床底下似的。这也很好的扩大了原本狭窄舞台的虚拟空间。
一部好剧!我真的增长见识了!
很多剧都讲了问题少年,但这部剧不一样的地方就在于它把主角的“心理”通过群众演员的表演,灯光,音效等等元素呈现到了舞台上。
比如主角害怕在人群里,呈现出来的就是他被人群挤过来挤过去,甚至抛来抛去,再加上混乱的灯光,嘈杂的音效。把主角的惊慌失措展现的淋漓尽致。
科技感的舞台设计实在是太大的亮点。舞台三面墙全部铺上了LED屏,充当转场背景只是它的基础功效。特别的是,它把男孩的所思所想也投射出来。代表男孩心情的哭脸,笑脸。当男孩决定去找妈妈时,脑海里规划的路线图。
这是紧跟时代潮流的舞台剧。科技与舞台的完美结合。
无实物表演。舞台上几乎没有道具,只有几个箱子。男孩回家开门,拖鞋,脱衣服,躺床上,全部依托于其他群众演员完成。也就是演员来充当道具。这段是个小惊喜。
而且这里每个群众演员都扮演多个角色。
最后剧目的主旨,世界虽然诸多不完美,但是我还是能做到某些事,不是吗?
我能做到。
舞台设计场面这些都还不错啊,五星!
还不错
构思不错
小剧场舞台美学的突破,不仅在于声光效果和极简设计带来的视听冲击,更在于戏剧视角的维度拓宽,不同座席不同体验,此外微妙的交互感也让人好感大增。灯光假装成星光倒映在Luke眼睛里那一刻,感觉一切都在飞速退却只剩下此刻。唯一可惜之处是live的镜头切换对于剧情流畅程度和观感的折损实在太多。
叙事和舞美都很有战马范儿,跟科利奥兰纳斯一样善用几何美,星空那段儿确定无疑,多新鲜啊可不就是战马导演之一……信任的建立、打破和重建,在所谓正常人群中会煽情狗血吧,在特殊人群中却谨遵逻辑。大爱结尾:does it mean that i can do anything? 在理想与理性的边界上戛然而止。
还可以
感动哭,真的好好看!
讲述爱与成长的故事,挺感动的
效果可以,想法不错
这是一个爱与成长的故事
舞台设计和场面调度太精彩,细节不必说,宏观上把全部场景圈定在一个不变的封闭长方形内来表现自闭主题就已很有说服力。第一段无可挑剔;第二段转场显得太急失了节奏,略微歇斯底里;结尾解题让人会心一笑。狗起狗终,很圆满。对Luke Treadaway大改观,演活自闭症。
勉强给了五星。很多人说剧本不好,其实我觉得重要的不是讲个多么离奇的故事,而是在呈现的过程中让观众自己领悟自闭症患者的世界。表演以及技术上都没话说,太惊人。
爱与成长
看得我痛哭流涕,散场了哭着往外走,一直哭到过了积水潭桥,去超市买个菜,卖场太亮了不好意思哭,出来又接着哭……
可能是最好一部关于阿斯伯格群体的作品,利用高科技多媒体展现出来的丰富内心世界太美好。几度泪目,喜欢这个诚恳的故事,比起好多利用“阿斯伯格”说事儿的片儿诚恳太多了。
导演功底深厚,剧目几乎完美,原作被完全表达出来。内心情感本就不易在舞台上呈现,第一人称的剧目也少见,大段独白更是容易显得枯燥乏味。导演的舞台调度真的是教科书级别的,整场剧目节奏把握也特别值得学习。舞美带来的视觉冲击的确震撼。演员很到位,男主咽吐沫的细节可爱极了。
舞台效果不错,能感觉到想要表达出来的那种效果,就是不是我的菜
故事有趣、温情,舞台设计的科幻感是一大亮点,简单的点线面组合配上灯光,视觉效果超酷炫。
好看
为了舞台效果来看的这个剧。 确实蛮不错,尤其是地铁那一段,好经验。 不过剧情就呵呵了。。。一个生活不能自理,自己疯癫的还以为是天才,火车都不会坐,交际awkward,自以为从swindon来到了伦敦找到自己的亲娘,ALEVEL 数学拿个A* , you can do anything else????!!!!!!