看歌舞剧已经是很久以前的事了~ 今天也是将下了很久的《美国人在巴黎》翻了出来了 ,看的时候我也在窃喜剩下的 35部奥斯卡最佳又少了一部了 。其实50-60年代是美国百老汇歌舞剧较为疯狂的年代,而且备受学院派重视,象《雨中曲》,《窈窕淑女》,《音乐之声》,《西区故事》,《金粉世界》等都是出类拔萃的歌舞片,况且我说的都是大制作的歌舞片,那小制作的泛滥程度就要看每个人的想像力了。
在彩色片并不盛行的50-60年代当然歌舞片的浓墨重彩成为其一大看点,鲜艳的色彩,华丽的着装可以吸引广大观众甚至评委的眼光,在视觉方面歌舞片是占了先机。也许在那个时候观众也许已经对黑白产生视觉疲劳,而这种疲劳需要电影中华丽的色彩来填补,因此歌舞片的华丽色彩既是满足自己的制作需要,也是满足大众的审美情趣。
豪华的布景,优美的舞蹈,动听的音乐,漂亮的男女也成为吸引观众的一个及其重要的因素。各种艺术元素相互结合,既能听到音乐,又能欣赏舞蹈,有置身于电影当中,听的人饱耳福,看的人饱眼福。在歌舞剧有很高的艺术价值的同时也在60年代增加了多样的故事性元素,使得在艺术和形式上都可以兼顾,有的甚至能达到比较完美的结合。
其实这还与一个大的历史背静有关,二战美国是完胜,取得了在世界范围内的军事,经济霸主地位。二战后经济也是飞速发展,从而需要一定的文化来满足飞速发展的经济需要。从而影射美国美好的一面的艺术形式得以充分的发展,其中就以百老汇的舞台剧较为突出,反映在电影上就是歌舞剧,美好的结局,积极的思想,人性的美好既迎合了当时美国人民的心态,又反映的当时美国主流文化的走向。
谈到美国歌舞片就不得不谈到,美国百老汇(Broadway )文化,以及戏剧文化与电影文化的关联。美国风靡百年的歌剧文化,成为美国文化的重要组成部分,涌现了一大批优秀的歌剧演员,很多名字记不住能说出来的也就Gene Kelly 吧。很多都是才华出众,极具表演天赋的演员。在舞台文化兴起的同时伴随着是美国二战后电影的崛起,然而歌舞片成为联系两者文化的重要手段 ,早的要丛〈42街〉,〈歌舞大王奇格飞〉,算起真正说是繁荣的阶段还是于二战以后。百老汇文化直接与电影文化连接,而舞台剧的故事也成为歌舞片故事取材的一个很大的来源,同时也繁荣了美国的舞蹈艺术,音乐艺术,各方面相得益彰,相辅相成。
同时为很多在百老汇默默努力的人,指出了一条较为简洁,迅速的成名发家之路。
在50-60年代类似电影中盛行着古典美,男的都西装革履,女的都盛装礼服。一种着装,一种色调,连演员的发型,面部轮廓都及其的相似,而这种特点在歌舞片中也极为突出,甚至是一种造型,一种表情,一种动作,一种情节,一种发展路线。这导致很大一部分歌舞片在情节方面不能保证缺失不少,某些歌舞片是同一种故事,只是换了演员,换了发生背景而已(很容易让我联想到韩剧)。艺术总是要发展的,电影文化总是在不断创新的,不会因为一种形式的拘泥而停滞不前。也难怪歌舞片会在后面的几十年逐渐衰落,以至无人问津,在意料之外,也在情理之中。
怎么说“黄金”歌舞片已随着电影的多样化发展而逐渐被抛弃,毕竟“黄金”歌舞片代表一个浪潮;一段电影历史;一个时代;一种文化。
也许看惯了普通类型片的人们能从那个年代经典的歌舞片中,能找到一丝属于50-60年代美好的回忆吧。
对于这部电增曾在评论上超过雨中曲(起码在奖项上看),很多人是不服气的。的确,影片故事传达出的价值观我不能苟同。男女主角在相恋过程中双双劈腿。男主角表面上排斥富家女对自己的种种资助,实际上却一直在利用他为自己解决生活问题,还在与她约会时当众勾引女主角。更无语的是,过后富家女不但选择原谅,还为他提供更多好处。这剧情若是放在现在,编剧早就被骂成直男癌晚期了吧。更无语的是女主角,直接到了出轨的程度(男主角起码和富家女只是暧昧的关系)。无论她演得多么无辜,舞蹈跳得多么美,我也无法对她产生好感。而如果一部电影的主人公(尤其是爱情片)无法让观众对其产生好感,形成同理心。这个后果是灾难级的!
但是,本片之所以能成为经典,拿下奥斯卡,一定有它的独到之处。
其实仔细一看,本片在处理主要剧情(男女主角的爱情线)时和一般爱情片不同。
影片开头先是用大段篇幅介绍三位主要男性角色。并且巧妙的运用独白和他们俩俩认识的关系依次引出每一个角色,并对影片发生的地点—美丽的巴黎做了介绍。又通过三人对爵士与古典音乐讨论的歌舞片段为影片定调。可以说看过开头观众很难不产生愉悦的心情。
紧接着是男主角街头卖画的戏。一开始一位貌美的女子走过来,和男主角产生了一段有趣的对话。一般套路来说,这位女子应该就是本片的女主角了。谁知道男主角一句话把她轰走了。这时走来了富家女,和男主角一阵寒暄并要买他的画。此时的观众基本可以确定她就是女主角了,因为一切也都很合情合理,而且此时影片已经进展挺长时间了。可谁知道,到后来的约会戏中女主角才真正现身,正是那位法国音乐家的小女友。而到此,主要爱情线才真正展开。
所以我们发现,掐头去尾,整片对两人的爱情描写并不想一般爱情片那么足。而这之中还穿插了演奏家的幻想戏和法国歌手的表演戏。可以说这一定程度上减轻了观众对两人爱情的抵触情绪。但本片基本没对女主角和法国歌手的爱情做以描写。这导致最后歌手主动放手显得突兀切不合逻辑。显然仅凭窗台偷听这场戏是不够解释人物动机的。
好在影片的歌舞部分十分出彩。无论是女主角在不同颜色风格场景中的舞蹈戏,还是男主角教法国小孩的歌舞戏。尤其是最后男主幻想着与女主有情人终成眷属的大型歌舞段落可谓是精彩至极。无论是先后呼应的红玫瑰、还是同素描画中风格一致的抽象派背景、还有那精心编排的舞蹈和摄影机走位,都解释了本片拿到奥斯卡的理由。所以从一定程度上说,日后的《雨中曲》是一种在现有基础上的提升,甚至可以说是一种重复。而《在巴黎》在讲故事的方法方面甚至要更有趣一些。
本片其实说明了,一部电影如何通过其他手段,来弥补剧情上的缺陷并让观众喜爱甚至暂时忘记主角道德上的瑕疵。
主故事不过硬,就拿其他元素凑!
如果说西部片几乎是与电影同时诞生的话,歌舞片就的的确确是与电影声音同时出现的。歌舞片一面世就遭遇了美国历史上最大的社会经济危机。有趣的是,大萧条不但没有危害到歌舞片的生存,反而极大地刺激了歌舞片的发展。
歌舞片历史的标准开端无疑发生在电影声音发明之时,即1927年的第一部有声电影(实际上只是部分的有声)《爵士歌王》和1929年的全部使用有声对白和歌唱的有声片《百老汇旋律》。由于它能够最大程度地展示电影声音技术的优势,歌舞片在声音发明的早期成为了最为流行的类型。
1929年华尔街股市大崩溃,美国陷入经济恐慌。天灾又使粮食供应紧张,当时美国政府还未设立社会福利及失业救济,无论城市还是农村均出现无业游民及乞丐。“在这种社会及经济环境下,1930年至1933年的美国电影业也备受打击。电影院流失了三分之一的观众,入座率持续下降,而这正是好莱坞在电影类型及技术上不断有新发展的时期。例如有声电影的出现、舞台剧被改编为歌舞片及神经喜剧等。为了应付经济不景气的情形,电影院一方面减省人力,节省开支以“救亡图存”。另一方面,在1933年左右更以“一晚两片”,即一张票看同场两部不同电影的方法吸引观众。从电影工业发展角度来看,空调系统对电影业也有重要影响。由于当时空调系统尚未普及,仍属奢侈品,对观众有相当大的吸引力。空调也使看电影成为全天候的活动。此外,电影院为配合当时流行的歌舞片的观影情绪,开始于影院内出售糖果、汽水及爆米花等零食此举不但有助于提高入座率。更挽救了美国的农业,1934年全美出产玉米为500万磅,至1940年增至几亿磅,在空调、甜食中观看赏心悦目的电影,人们觉得看电影是享受,入座率逐渐回升。电影业亦得以解困,空调设备、“一晚两片”形式及售卖糖果等外缘因素,却是当时维持电影业运作的关键所在。
虽然电影市场好转,但美国整体经济仍未得到完全改善,“因而歌舞片被讥为一种“逃避主义”。确有其论据,只是不应因此而否定歌舞片在艺术上的贡献。”《四十二街》一夜成名”的故事《淘金女郎》“乌鸦变凤凰”的童话,还有仙乐飘飘、纸醉金迷的明星圈,的确让人拒绝从梦中醒来。好莱坞歌舞片诞生在这样独特的环境之下,适应了普通观众逃避苦难现实的强烈要求。也因此形成自身一系列独特的电影特征。之后,1945年经过前线艰苦的战斗和本土努力的工作,美国和世界反法西斯人民终于赢来了盼望已久的胜利,而美国歌舞片洋溢的乐观主义和积极向上的精神又自然而然地成为沉醉在胜利欢笑中的人们的最爱,这时的军人成了真正的“最可爱的人"。《锦城春色》就表现了三名水手放假逛纽约城并受到欢迎的故事。
所有歌舞片都涉及一个乌托邦式的许诺,从日常生活真实与银幕反映想象之间的基本张力。到影片“真实”冲突与“理想化”解决之间更为复杂的叙事张力,电影都设计了一个拥有美好潜能的乌托邦社会景象,任何一种类型的影片都有一种形式价值的确定。如果说西部片是以粗犷、自然甚至带点野性的、西部独特的景观构成的视觉图谱。歌舞片则以强烈的充满动感的华丽形式诉诸观众的视觉。以优美的乐曲满足观众的听觉享受,歌舞片对形式美感的追求,与其他类型电影相比较应该说是最彻底的。
歌舞片首先用这种超乎寻常的美感吸引观众的注意,消除由于社会、文化等因素造成的差异。使美感的信息直接达到观众的内心,优美的音乐节奏、曼妙的舞姿、华丽的场景,更容易使不同民族、不同种族、不同宗教的观众产生共同的美感。也更加容易理解和接受,从而使观众产生震撼神经的愉悦感。从风格上讲,这一类型最具有浪漫优美的特点,基本上由温馨的情节和动人的舞姿及美妙的音乐、华丽的场面组成,其中歌舞段落十分突出独舞、双人舞、群舞轮番迭出,给人欢快愉悦的审美感受。歌舞片其实质就是用最纯粹的美的形式满足人类的愿望。虽然所有的类型电影都蕴涵着一种娱乐的伦理,但在类型电影的家族中,歌舞片是最具有娱乐性的。歌舞片大多是喜剧片,在轻轻松松中抖落人间的悲喜。它有利于疏导阻碍社会发展的情绪和因素,通过排解和宣泄,使人们愉快地生活和工作,从而生产高质量的劳动力。我们通过了解歌舞片的产生背景及基本模式,可以进一步了解它的精神内涵。
很久没认真看电影,今天重启奥斯卡系列——《花都艳舞》真的太棒太棒。可见,《Lala Land》若说致敬《圆舞曲之恋》等等经典影片,这部《花》更是其青出于蓝而胜于蓝的主因——浪漫的情节、钢琴、歌舞、舞鞋、演员梦……等等等等。真的很能代表了。最戳动我的,是男主和孩子面前教英语的时候,平移的镜头运用,“i got”和舞步的结合,真的太美好,再加上是歌舞片的配乐,燃点推的神自然。
我对《浮生若梦》偏于电影本身——完完全全的乌托邦理想生活。《花》片尾的结局,是否放女主回到男主怀抱已经不重要,与本该写实的剧情推作更不重要,重要的是在“幻想”中的一切。有影评说后边歌舞催眠,但我认为不得不提到另一部奥斯卡大作《歌舞大王齐格飞》,同样是show,大手笔的托章,《花》的新意在于爱情的带动,眼花缭乱的场面中能踏踏实实看下去的,是观众明知的那幅林荫小道的速写,恰到好处,很巧妙。
ps:女财主的扮演者妮娜•福煦,神似《Giong My Way》中的女歌唱家,不知是不是一个人。
很经典的歌舞剧,歌舞剧我只看过红磨坊和芝加哥,但是这部的歌舞排演很赞啊,除了最后的男主yy生命大和谐外,最喜欢那个钢琴家躺在床上白日梦那一段。记得有一句歌词是:是他,是他,就是他,我们的……,那段白日梦就是他,是他,全是他,哈哈。不知道有个小细节有人注意没,连最后叫bravo的那个观众,都长得钢琴家的脸,不禁让人想到是白日梦结束后,钢琴家自己为自己的表演大声喝彩,很有爱,也很能引起爱白日梦的我的共鸣啊。虽然从剧情上来说,那一段颇显的多余。 钢琴家其实只是连接男主男儿的功能,花太多笔墨显的累赘了。可能是因为那段白日梦太精彩,导演也舍不得删掉吧。
另外这算是蛮早的天降胜青梅的桥段了。不过个人觉得女主的演员不合适,龅牙,脸长,像只驴。而且女主人设不讨喜,脚踏两条船不说,颇有点东家食,西家宿的感觉。男主么,就是蛮典型的浪子。他不是爱你,他是爱上了在巴黎一见钟情的感觉。
目前看了吉恩凯利的三部影片,《锦城春色》、《美景良辰》再加上本作,都是在艺术上没什么新意的影片,无论是音乐还是舞蹈都没有让人精神一振之处,无非是换一个故事再按照流程跳一遍舞。有可能歌舞片这种类型优秀的作品本就不多,所以矮子里面拔高子,这样的作品也就算制作精良了。虽说歌舞片主要是看舞台表演,也不能说此片的拍摄手法完全没有灵感,但若是故事情节太弱、主题如同嚼蜡,就好像一颗糖徒有鲜艳的糖衣,滋味却完全没有让人回味的余地,吃掉一颗又一颗,一颗比一颗腻味,而该片竟然囊括了6项大奖,马丁斯科塞斯的纪录片里也将其标记,我想一颗糖虽然不好吃,但也不妨碍它在显微镜下的各项化验指标都达到优秀,可能是这个道理吧。
另外胡乱猜测一下这个美国人赢得巴黎美人的故事是不是有迎合外交关系的目的呢?四五十年代美国人的这种国际骄傲感和领导欲可真是赤裸裸的无处不在。
⒈《雨中曲》甚至都没提名奥斯卡最佳影片,而《一个美国人在巴黎》却拿到了奥斯卡最佳影片等6项大奖,所以说啊,奥斯卡和IMDb、豆瓣评分一样于我只能是观影参考呀;⒉丽丝莫名其妙地就移情别恋上杰瑞,这剧情设计,我也是醉了;⒊相比片尾的奇幻舞蹈秀,我还是比较喜欢两人初次约会的湖边舞蹈。……
剧情与歌舞脱节的歌舞片,最后20分钟的群舞感觉是为最佳服装、最佳置景专门设计,眼花缭乱看的昏昏欲睡…
要么就是George Gershwin的配乐实在不适合在一个小电视里听...
原以为是两种文化的冲撞用歌舞形式来呈现,然而确是歌舞加上俗套的爱情故事,五十年代的奥斯卡审美似乎有些落入对传统类型片的奉承。歌舞与叙事的结合脱离现实,变成纯粹梦幻式场面营造,结尾不就是强行用盛大歌舞来达到高潮。
浪漫派,歌舞跟剧情的搭配恰到好处。
灯光、颜色、演员、道具呈几何状态增减的万花筒和人物的动作一起构成德勒兹所谓的Global Movement,事实上是这种眩晕的效果导致我们感受到在世界上的存在。片头的结构性房屋、中段的一人乐队和片尾的场景无限制穿越证明明奈利不止有结构意识,也在有目的地进行知觉试验。
请注意,这是70年前的电影,评论区各种秀优越感的可以滚了,要考虑片子的年代性,70年前你还没生出来,70年前你家还没电视也看不到电影,你更不会踩着节拍跳舞。一帮被偶像剧的硅胶脸霸道总裁豢养地都毫无审美观可言了!【哔哩哔哩】
看到巴黎贵妇称赞男主角宋庄门口几十块钱一张还带框的画好,自己看了上百个青年艺术家就属他的画好看就没兴趣继续了,中途还顺带嘲讽了下抽象画,真没劲好莱坞品味太可怕,最有意思的该是那个法国小伙子回忆自己女盆友的那五段舞蹈了吧。
真心欣賞不來 全片精華在最後二十分鐘的舞蹈大場面……前面除了Gene Kelly的舞……其他劇情什麼的可以不用看了
本片获1951年奥斯卡最佳影片,最佳艺术效果,最佳摄影,最佳服装设计,最佳配乐,最佳剧本六项大奖。©
C’est la mise en scène
好难看,可以把跳舞以外的内容全部拿掉。故事俗,女主土,正常审美的都会选防晒油女皇吧。
虽说是歌舞片,而且也非常精彩华丽,但大段与剧情联系不甚紧密的歌舞表演也太喧宾夺主了吧
故事有点虎头蛇尾,后面只剩下男女主的感情线,顾不上刻画其他人了,还好有美妙的音乐和最后一大段舞蹈。爵士,踢踏,大布景下的完美场景转换,没唱一句歌,全凭身体语言表达情感。Gene Kelly真是个让人快乐的人,永远充满着向上的活力~如今科技发达,但想象力有时还不如那个年代旺盛。
全片都洋溢着一股浪漫的气息,这是巴黎的特质,也是那个时代歌舞片的特质吧……结尾前很长的那段舞蹈创意十足。结尾的大团圆莫名其妙了点。
在《拉拉蓝》余热的影响下终于看了,之前一直停留在“听说阶段”。看完怀疑自己看了假的奥斯卡最佳影片...一个时代错置后便无力吐槽的经典。当然,最后十五分钟重头歌舞段还是很提气的(前面九十五分钟就当不存在吧
Leslie Caron绝对的不可方物。不过那一年真的没有好剧本了吗?
落魄艺术家、巴黎贵妇人与小店丑小鸭的酥烂三角恋剧情,但导演讲述方式真是迷人。明奈利成名作,拍摄时导演会回忆起他早年做商业插画师的往事吗?被宝琳凯尔称为好莱坞纨绔子弟的他,也是有自己的作者风格的
影史最差奥斯卡最佳影片的有力竞争者。除了凯利带领孩子们学英语(《I Got Rhythm》)与怀才不遇冷眼旁观的钢琴家梦见音乐会上所有人都是自己外,再无精彩场景。对巴黎的虚伪庸俗化呈现。高潮多个画与舞台布景互切的歌舞联欢冗长无趣。结尾毫无铺垫的强行大团圆令人恶心。女主选角失败。(5.0/10)
女主角又丑还劈腿,可怜的男二被戴了绿帽子还那么高兴,可怜的女二花了钱不说还被当做备胎,女主越看越像凤姐。。。。补充:本来是三星,但是最后那段长到离奇的歌舞和那个操蛋的结局让我改成2星了