夜半歌声1937

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主演:金山,胡萍,施超

类型:电影地区:中国大陆语言:汉语普通话年份:1937

 无尽

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 剧照

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 剧情介绍

夜半歌声1937电影免费高清在线观看全集。
英俊潇洒的宋丹萍(金山 饰)是一名话剧演员,他与地主的女儿李晓霞(胡萍 饰)真心相爱,却遭到晓霞的父亲和恶霸汤俊(顾梦鹤 饰)的联合阻拦,宋更遭镪水泼面的虐待。在此之后,他假托死亡,白天躲在剧院阁楼,夜晚则引吭高歌,凄厉的歌声满载着对爱人的思念及对现实的控诉,久久盘桓在剧院上空,成为漫漫长夜挥之不去的鬼魅梦魇。春去秋来,花开花落,转眼几度春秋。十年后的某个雨夜,一个剧团几经辗转来到宋所栖身的剧院。青年演员孙小鸥(施超 饰),他偶然结识了宋丹萍,绵亘十年的爱恨孽缘将再次延续……  本片由冼星海作曲,田汉作词,该故事曾先后数次被搬上银幕。弟弟2010沉默2011杀人三步曲国语杀生2012心桥延南洞全球公寓黄石 第一季带我去月球隔世追魂(粤语版)地狱来的芳邻幻界巴士不要换台!爱土之争图书馆员第四季母爱杀机春色燃烬女伯爵脱稿爱情第一季幽长周末原声地面之下落花洞新娘一九零零梦魇衣橱王的盛宴2012实录 3亿日元案时效到期Last Days 坂本龍一今夜、我用身体恋爱。第二季秘密特工2015妙女神探第五季鹿鼎记搜查电梯惊魂2011风雪大别山大国手之胜者为王今天的侦探安妮特威士忌大盗挖玉石的人痴情浪子

 长篇影评

 1 ) 听!夜半歌声

观赏上世纪20-30年代的电影,总绕不开片首那段冗长的演职员名单。
我习惯性的跟念。
“田汉、冼星海。”
“怎么?”朋友问道“他俩是gay?”
晕!如今这个时代,两个男人的名字并排码着都是段暧昧!
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田汉与冼星海,两个熟悉而又陌生的名字,前者是《义勇军进行曲》的词作者,后者是创作出《黄河大合唱》的曲作家。对于生活在21世纪的我们而言,他们的作品,听过,但仅仅是听了冰山一角。古早的旋律,随着时代的推移早盖上了厚厚的灰,鲜有人知。
事实上,在1937年,冼星海为电影《夜半歌声》创作的“热血”“夜半歌声”“黄河之恋”三首插曲都曾传唱一时。由田汉所填的一段“人儿伴着孤灯,梆儿敲着三更”更是成为了当时小青年写情诗必引之句。旋律之悠扬、词句之琅琅上口可见一斑。可以说,配乐与插曲,是此次观影经历最大的收获。
电影开场,在钢琴伴奏下,云开月现,一盏孤灯从门缝隙中缓缓伸出,引出一位貌丑陋的老者。而后,风声大振,黑影攀上高墙。歌声渐起“人儿伴着孤灯,梆儿敲着三更,风凄凄 ,雨淋淋,花乱落,叶飘零。”在配乐与画面的共同作用下荒凉、阴森的气场渐渐铺展开来。韵律美与造型美的结合创造出了一加一大于二的效果。放到今天来看依然震撼。
较之配乐的给力,本片的配音多少有些“怪”。是那种典型的解放前风格,侯宝林在相声中挖苦过这种配音,不分平、上、去、入,从头到尾全是一个语速。再加上台词过于舞台化,动不动就“啊!霞妹”很有几分喜剧效果。男主角那句“你以为我这些年来只想着女人”更是引爆全场。看来大家的笑点都长到一处去了。散场时,还听见有人说“要是不张嘴,两位男主演还算是蛮帅的”。
据传在1937年《夜半歌声》上映之时,曾遭受过非议,原因是这并不是一个原创故事,其创作灵感来自与好莱坞著名恐怖片《歌剧魅影》。事实上,这两部电影在故事构架上差别很大,即便是有所借鉴,也绝构不成抄袭。《歌剧魅影》讲述的是先天畸形的音乐天才爱上女歌者,并不息一切代价使其成名的故事。而在《夜半歌声》中男主角丑陋的相貌不再是天生,而变成了遭人迫害,这使得他藏匿剧院的目的更加复杂。革命、复仇等元素的加入,打破了原有的构架,形成了一个全新的故事体系。
与前作相比,《夜半歌声》有一个先天的优势,它是一部有声电影。而拍摄于1925《歌剧魅影》则是一部默片。(第一部有声电影诞生于1927年)在有声电影尚未普及的年月,即便是善于歌唱的剧院幽灵也只能沉没。还是感谢一下有声电影技术吧!使我们能够隔着久远的岁月,听到《夜半歌声》。


 2 ) 革命尚未成功

《夜半歌声》,不仅马徐维邦拍过续集,此后更是被翻拍5次(最近的是05年的电视剧)

我姥爷曾回忆民国时期他看的电影印象最深的就是夜半歌声的恐怖和希区柯克的《三十九级台阶》的惊险。

这个片子我觉得融合了德国表现和好莱坞恐怖片(好莱坞的恐怖片还不是表现主义来的)的风格,加上一个中国式的革命爱情故事~

印象深刻的就是那一段长长的主观视听推镜头带观众进入灰暗,破败的剧院了(还真有点慎人。。。)

还有就是片中的戏剧腔(说的就是剧团故事么),最搞笑的一段台词,富少爷问穷女演员:“你靠谁?”

女演员很戏剧腔的答到——:“我靠——,我靠——,我靠我姐姐!”

金山毁容毁的够CULT,这个革命者最后被逼得走投无路,只得跳海,临死还在诅咒万恶的旧势力,和当时电影中群众拥护的革命者形象实在是有太大区别。



关于马徐维邦,这个有这着传统名字的一代名导,毕业于上海美术专科学校(所以美工强么),曾留校任助教。也是个电影青年,影迷,从后在明星做演员出道,为了爱情,电影梦,倒插门女婿(值得电影青年学习啊,也不知道后来影片始终表现男女爱情为旧势力打压有没有关系,我看有~),到开创国产恐怖片,自组一片死的天马影片公司,后来孤岛妥协“华影”,实在是个当年典型的有梦想,坚持拍片的电影人。

解放后在香港一直力不从心,一代名导沦落到领救济金度日,1961年2月14日,除夕日,在领救济金的路上因车祸不幸身亡。让人感叹,为什么当年的娱乐片导演都没得好下场,不是饿死就是摔死撞死斗死吓死。。。

电影青年们,还是早日该行吧~

PS,关于马徐维邦的资料,他的婚姻我只是个人猜测~请各位自己琢磨~

我的爷爷马徐维邦——
http://ent.sina.com.cn/x/2005-11-29/0944911177.html

 3 ) 《夜半歌声》的改编之旅

                                 《夜半歌声》的改编之旅
                                         原载于《大众电影》第840期第40—42页(2012.18)

    被法国人尊称为“永恒的记者”的加斯通•勒鲁,创作的侦探惊悚小说《歌声魅影》,在世界上被多次改编成电影搬上银幕。原著讲述了一段凄美哀婉的三角恋爱故事,即作者如何进行追踪调查,最后终于证实歌院幽灵并非子虚乌有的经过。1925年,美国导演罗伯特•约里安改编此小说拍摄了《歌剧院的幽灵》,引起了巨大的轰动。1937年,马徐维邦从该小说中汲取灵感,摒弃了原著和美国电影版的主题,执导了《夜半歌声》。从此,《夜半歌声》相继在1937(1941)、1962、1985、1995年,经过改编,四次搬上银屏。可是《夜半歌声》这一趟趟改编之旅,却历经艰辛。

(一)如何逃过审查
    1937年2月20日,马徐维邦的《夜半歌声》在上海金城大戏院上映。不久后,抗日战争爆发,上海被卷入了汹涌澎湃的反帝的革命浪潮中。一面是人心惶惶的日本帝国主义战争;而另一面则是恐怖惊悚的《夜半歌声》。《夜半歌声》在这微妙的时间节点上,无意识地填补了观众的心理缺失:对战争的恐惧、对安稳的追求、对斗志的激发。
    然而,要将这一部恐怖大片搬上银屏,对马徐维邦来说绝非易事。其中一个重要原因是当时国民党政府的电影审查机构对此类涉及恐怖、神怪的作品控制得非常严格。有些片目上呈中央后,都是“通令全国,一律禁映”。这让《夜半歌声》的创作,进入了一个艰难的时期。如何在讲述故事的同时,又契合观众的需求,同时具有中国内涵,让电影又能通过审查?马徐维邦开始进行了艰辛的探索。
    首先最为重要的一关,便是故事。早在1925年,这本小说就被好莱坞改编成电影,搬上银幕。为了与美国影片有所不同,马徐维邦必须在故事内容上做出一些改变。1925年的《歌剧院的幽灵》讲述了一个被硫酸毁容形同骷髅般的歌剧演员,躲进歌剧院地下室,每晚在剧院中游荡。为了让自己所爱慕的女演员成名,干出了许多不寻常的事。马徐维邦决定将故事背景搬到中国,以辛亥革命后陷于内战苦难的中国为背景,塑造了一个革命怪人宋丹萍:遭军阀追捕,改名当了一名话剧演员。在他成名后,吸引了地主女儿李晓霞的注意,两人坠入爱河。后来由于地主父亲的阻扰,恶霸汤俊的破坏,这对恋人最终被迫分离。故事以“革命者”与“封建地主”,以及“恶霸”,呈现了中国当时的社会面貌。而这样一个的故事与传统的故事并无太大区别,基本无新意可言。马徐维邦也充分认识到了这一点。于是他将故事进行了第二次创作:一座破废剧院,每当月圆夜,楼上便有暗影怪人引吭高歌,而对面楼头一痴呆散发小姐则听到入迷。有一天,文明戏团安琪儿剧团准备在此演出,剧团里年轻有为的演员孙小鸥在练习演唱时遭遇瓶颈,忽闻楼上有靓绝人声唱着相同曲调反复调教之,遂发现楼上怪客,原来乃是十年前传闻已死的名演员宋丹萍。最后宋丹萍与恶人汤俊搏斗,汤俊失足摔死。
    马徐维邦采用漆黑的寒冷、暗无天日的布景、以及黑暗阴森荒废了的剧院,描述了面貌怪异狰狞的看门老头、幽灵一般苍白病态的女子等身处社会底层、遭受压迫的人民,结合了德国表现主义的视觉传达方式,以革命抗击的意识形态贯穿全片,表达“我只要一息尚存,誓和那封建的魔王抗争”的斗争欲望。而这种思想的由来,与马徐维邦个人经历不可割分。马徐维邦短小精悍,削弱的脸庞、软弱乏身的瞳孔、加上辛劳带来的皱纹,完全是忠厚勤奋的相态。再加上他严肃的私生活,不嫖不赌、不跳舞不喝酒,这些生活习惯和作风,使他能用冷峻的眼光、独立的思考能力,来解读社会。1935年,洗星海回国后,在上海积极参加抗日救亡运动,并先后创作了《救国军歌》《战歌》等大量抗日救亡歌曲。在《夜半歌声》(1937年)的创作过程中,洗星海总是和马徐维邦、金山从电影公司走回家,在路途中探讨着电影的音乐风格、主题思想。因此电影中的插曲《夜半歌声》《黄河之恋》和《热血》,都只是他音乐事业的热身。
    最后,《夜半歌声》通过了国民党电影机构的审查,在金城大戏院上映,迎来了国产影片的最高票房记录。

(二)如何摆脱恩师
     1937年后,《夜半歌声》给马徐维邦带来的成就超越其他的影片,他甚至在1941年拍摄了其续集,但是续集在艺术成就和影响力都不及前部。十几年过去,马徐维邦考虑到当时的制片和技术等缺陷,计划和邵氏重拍该片。1961年,马徐维邦像往常一样走过一个街头,却听到一阵莫名其妙的声音,此时他迟疑了片刻,忽见一辆电车呼啸而来。可怜一代恐怖电影大导,就此撒手人寰。这让计划重拍《夜半歌声》的邵氏公司陷入了困境,同时也让马徐维邦的徒弟袁秋枫十分痛苦。袁秋枫是马徐导演拍《厦门语》电影时的副导演。马徐维邦因车祸逝世,邵氏决定用袁秋枫来接替其恩师执行导演任务。袁秋枫曾替邵氏在台湾拍过《山歌姻缘》,《黑森林》等片,但是面对恩师当年的成功之作,如今交由自己干,内心自然百感交集。
      袁秋枫一直难忘师傅对自己的影响。因此,当他加入邵氏后,当有机会独立执掌导筒,便是重拍师傅在上海的《夜半歌声》。袁秋枫的版本相当忠实于恩师的原作,影片也同样分成上下两集。据黄爱玲回忆,袁秋枫十分尊重原作,甚至有照抄师傅的剧本之嫌。然而,袁秋枫也知道,重拍并不等于重映,决不能落入原来的窠臼而成为复制品;但又不能完全摆脱原片的束缚,天马行空。怎样才能拍好《夜半歌声》,既不脱离恩师的初衷,却又要有自己的创意和内涵,这是摆在徐秋枫面前一个最大的难题。
为此,徐秋枫将《夜半歌声》(1962年)归类为爱情文艺恐怖悲剧,影片以爱情“冲锋陷阵”。爱情是人类最圣洁、最崇高的感情之一,而一旦这种美好崇高受到酷烈的打击,便容易引起人们心中一种共同的怜惜,对美好的追求。徐秋枫正是利用这一点来吸引观众,而这也是1937年和1962年中《夜半歌声》的不同之处。在一次工作会议举行完毕后,袁秋枫曾打趣地问乐蒂,“乐蒂啊,你怕流泪吗?”乐蒂回答,“我怕什么流泪,有万万千千的观众陪我流泪,只是我见到赵雷那个怪样子就恐怖。”袁秋枫反问,“你怕赵雷丑怪吗,你不但要和他做对手戏,而且还要爱上他呢!”“我才不爱他呢”乐蒂嘴一撇就走了。《夜半歌声》上集拍完后,有一天晚上,乐蒂对朋友说了这样的一番话,“只要是真心去爱他,不管他怎样丑恶,你都会觉得他是可爱的,连一个刀疤也有它可爱之处,而且面孔丑恶的人,他良心并不一定丑恶啊。”而当时的朋友并不知道她何出此言,事后才得知她所指的是《夜半歌声》中的一段情。
     进入60年代的香港电影,其生产环境已迥异于十几年前的上海,电影的制作步入了完善且条理化的正规系统。因此,徐秋枫拍摄《夜半歌声》面临了许多的挑战,不得不为此而做出一些改变。片中一大不同之处在于绿蝶的变化。原作中的绿蝶与孙小鸥是一对恋人,绿蝶本是个纯洁、勇敢、刚烈的姑娘。但是,徐秋枫版本中的绿蝶,是由娇柔妩媚的艳星范丽扮演,这自然让孙小鸥的人物形象也不得不相应地做出一些改变。而这些改变必须要符合人物既定的性格和命运。该片在色情展示上对观众交足功课,于是一名率性而为的好女子就变成了一个贪慕虚荣的轻浮戏子。这一角色的位移,徐秋枫自然是为了迎合邵氏时尚的娱乐至上的方针,或者说是受到片场制度的制约。从根本而言,则是为了生存。
     在1962年和1963年香港邵氏公司就先后翻拍的《夜半歌声》和《夜半歌声续集》,袁秋枫将编剧仍写着马徐维邦的名字。这是一种对恩师敬意,一次与恩师的合作,也是一场与恩师的较量。

(三)如何达成共识
       马徐维邦对于《夜半歌声》的重排想法,从四十年代就开始了。五十年代在香港,马徐维邦见到了一位来自上海的一名编剧,两人促膝长谈,马徐维邦就深切地谈到了自己重拍《夜半歌声》的心愿,但是当时条件不具备,然而那名编剧却一直这件事事情搁在心里。直到1985,他找到徐银华,一起写出了《夜半歌声》(1985)的剧本,他就是沈寂。
    80年代的中国是一次新思想的启蒙时期,电影的创作者大多以遵循时代的新思想为创作的轴心。而马徐维邦《夜半歌声》是以斗争抗日、反抗封建、争取自由为主题的电影。面对新的时代、新的环境,创作者对《夜半歌声》各有各的想法。编剧出身的演员李天济,此次在该片中扮演张老头。他认为这部影片应当定义为浪漫主义的作品,而非严正的现实主义。要求在时代背景的渲染上点到为止,宜虚不宜实,且要注重对人生哲理的探索。而自己所扮演的宋丹萍应当从爱情和苦难中解脱出来。而张老头更加的具体化和情感化,虽然张老头是一个配角,但此时已经不再是那个制造恐怖气氛的老头,而是一个具有人格、灵魂高度化的人物。
     而编剧们则认为,改编之后的《夜半歌声》(1985),艺术设想和追求都融化在剧本里,观众和读者应该在作品中去体会,如果还要作注解,则会显得多余。此外,关于“善良”,编剧给予新的内涵,认为善良是软弱。善良虽美好,但光靠善良改变不了落后的环境。《夜半歌声》成为了上海电影总公司生产计划中的重点产品,导演杨延晋不仅需要将编剧和演员们的想法列入考虑范围,同时还要有自己的独特构思。导演要求摆脱以往的艺术风格,让故事有情节、有悬念;讲究艺术性和可看性。它不是一部历史片,也不是一部非常现实主义的影片,需要加入想象的成分,增强感觉和意念,强调印象。导演坚定地要拍一部文艺片,而非娱乐片。新拍的《夜半歌声》要在《巴黎圣母院》的娱乐性加上《古堡幽灵》的神秘氛围;同时与《转折点》中对人物心理细腻刻画融合一起。总体风格,是与之前拍摄的《苦恼人的笑》和《小街》相统一,但却比它们更强烈。
      艺术是一个集体的创作过程,编剧、演员和导演,三组团队必须齐心协力,方能铸造“真金”。在1985年上映的《夜半歌声》中,编剧不仅改变了李晓霞的戏份,还以“李晓霞刺瞎双眼,与宋丹萍共同葬身火海”结尾。同时,背景取代了破败的祠堂,而是以整齐舒适、富丽堂皇的现代化迎春大戏院里。宋丹萍居住的地方不再是那地狱般黑暗、狭窄的角落。编剧的这种修改,不仅迎合了导演的艺术化追求,同时也满足了当时宽银幕彩色的电影院,呈现给观众一场视觉盛宴。而关于“善良”的表现,导演进行了另一番解释。宋丹萍与汤俊搏斗,当宋可以杀死汤时,突然手软心慈,颓然地垂下了手。这种处理方式将宋丹萍的人物性格立体化,人物处在一个矛盾的心理状态中,而这种状态或许正能够代表在八十年代那个思想泛滥、却不知何去何从的群体。
     最终,《夜半歌声》依旧充满着杨延晋式的“人们该如何忍受孤独和痛苦而生活”的思考,把原来的抗日背景适当淡化,丰富了争取民主自由、个性解放的内涵,使影片充满了对文革的反思。

(四)如何颠覆经典
    《夜半歌声》(1995年)的导演于仁泰自小患有小儿麻痹症,一直心存自卑。后来碰到了他坚强的太太,视他为正常人,给予了他难以形容的爱。而这种爱却改变了他对生命、对人生价值以及男女关系的看法。曾一度着迷于莎士比亚的爱情悲剧,燃起了他决定重拍《夜半歌声》这一不平凡的爱情故事。他以“爱”为宗旨,让这对有情人在遭遇了非人性的摧残后,凭借对爱的信念,共筑人生。。该片以1328万($)票房,赢得了1995年香港电影年度总票房十五名的好成绩,仅次当年获奖无数的《女人四十》(排名十三),造就了“颠覆经典”的传说。
      “颠覆男主角”。宋丹平这样一个角色,牵涉到许多内心斗争,不温不火、恰到好处地表现以个人的内心风暴,对任何演员来说都是一个挑战。第一人男主角金山,是民国时期的话剧皇帝,同时也是一名共产党员。由于本身的生活体验和精神感受,宋丹萍的革命个性和斗志,在片中无处不在。第二任赵雷是以拍武侠片出名,他所演绎的宋丹萍,远比金山多了一份刚烈和雄武。第三任翟乃社是第一波北京电影学院毕业的表演系学生,经历了文革的翟乃社少了一份书卷味,性格棱角分明,这个“宋丹萍”似乎更像一位来自生活底层、追求民族使命的“秀才”。张国荣是一位歌影双栖的明星,不仅在歌坛独霸一方,在影坛也是名声大噪。因此,第四次演绎“宋丹萍”的张国荣,此刻对宋丹萍有了不同的认识:“一个很骄傲的人,突然连面对爱情的勇气都没有”。张国荣决定摆脱以往宋丹萍“程式化”“高大全”的形象,想要表现得更真实,更有血有肉,也更能引起共鸣。张国荣说:“我希望观众看时能有痛的感觉,看一个最初要风得风、要雨得雨、自信却又天才横溢的人,如何演变成后来那个把自己藏在阁楼中的人 ,他不敢见人,就连一段珍贵的爱情也不敢面对。” 因此,此时的宋丹萍不仅多了一份儒雅和忧郁,更浑身散发着一股诡异和浪漫。宋丹萍埋在云嫣怀里哭泣,细语轻声地表达着自己的内疚,“我对不起你”,云嫣紧紧地把他拥在怀里,在马车上迎接属于他们的晨曦和浪漫。
     “颠覆歌声”。此刻的《夜半歌声》已不同于1937年时的时代情景,社会的主流思想不再以鼓励革命斗志为中心了,因此,电影中《夜半歌声》的插曲的主题和风格也应当完全摆脱洗星海的曲风。张国荣说:“宋丹平有点像我,我们都一样喜欢作曲和唱歌。”而戏中的宋丹萍是个很前卫的音乐家,正因为如此,张国荣觉得自己与宋丹萍是如此的接近。于是张国荣除了担任《夜半歌声》(1995)的主演和监制之外,还为该片创作了三首电影插曲。然而,要颠覆传统的音乐曲风却得费点心血。首先,张国荣几经努力,才说服导演于仁泰和黄百鸣用国语现场录音。此外,张国荣根据宋丹萍是音乐家的身份,完全摒弃了中国曲调的歌曲,大胆地尝试借鉴外国歌剧唱腔,去掉敲击部分,以剧情来展示主人公的心路历程。这三首歌受到了影音界的一致肯定,主题曲《夜半歌声》第三十二届金马奖和第十五届金像奖上都获得了最佳原创歌曲的提名。
     事实上,《夜半歌声》真正做到的不是颠覆,而是一种转变。从表达人与环境的对抗转变表达人与自我的抗衡。这种转变也正是是1937版与1995版最大的差别;成为了近现代电影与当代电影在精神意旨上的分水岭。

 4 ) 夜半传奇

1937年马徐维邦拍摄的《夜半歌声》改编自美国1925年的《歌剧魅影》,原作作为一部好莱坞类型片,着重塑造阴森恐怖的气氛,虽然年代久远,造型与音乐在今天来看仍然堪称经典,甚至还被美国《时代周刊》评为电影史上25部最佳恐怖片之一。
由于起步晚,客观限制条件多,中国电影从诞生之日起就不得不师从于好莱坞电影,颇有些鹦鹉学舌的无奈。但是马徐维邦的这部改编作品,除了保留了原作的故事梗概,还加入了中国电影一贯的浓厚教化色彩和导演个人化的审美观念。虽然无论是在技术层面还是艺术层面,《夜半歌声》都显得粗糙和幼稚,在电影史上也没有原作的地位,但作为中国中国恐怖电影的成熟之作,它还是具有相当的关注度和研究价值。
 影片叙述了某个雨夜一个剧团几经辗转来到一所神秘的剧院,话剧演员孙晓鸥在独自排练中受到神秘歌声的指导,进而发现了了剧院闹鬼的秘密——十年前,话剧演员宋丹萍和富家女李晓霞相恋却遭到女方父亲和恶霸的迫害,遭到镪水泼面后因为面容极其恐怖假装死亡,但是因为关心疯了的恋人,每当夜晚宋丹萍都会在剧院唱起悲愤的歌。孙晓鸥受到宋丹萍的委托安慰李晓霞,后来恶霸汤俊因为再此作恶被宋丹萍推下楼梯摔死,宋丹萍最终烧死在大火中。
其实单说故事本身,算不上非常恐怖,但马徐维邦运用视觉影像和音乐成功的营造了阴郁诡异的气氛。尤其是视觉造型元素的运用,显示出导演对这一题材的娴熟。剧中人物造型对比效果强烈,有恐怖如开场一袭白衣面无表情的李晓霞,忠心老仆极度夸张到翘起的尖下巴,更不用说男主角为了恐怖而恐怖的“烧伤妆”,又有舞台上光鲜亮丽的沈丹萍,狂妄嚣张的西装革履的恶势力。影片的布景造型也可谓精心设计,戏班初到时破败的梨园再加上雷雨交加的夜晚令人毛骨悚然。在青年演员孙小鸥与李晓霞林中相见的一场戏中,光影的运用相当有中国特色——雾气迷蒙的森林中移来白裙女子,打在她身上的光若隐若现,老树暗色的轮廓映在微微波动的湖面上,虽然恐怖却又饱含诗意的感伤情怀,暗合了中国的传统美学。
《夜半歌声》与一般恐怖片的区别之处还体现在音乐的使用上。影片主要有三首歌《夜半歌声》、《热血》和《黄河之恋》,它们不但配合了影片不同的气氛,更是引领故事发展的主线。田汉作的词极富中国古典意境,冼星海做的曲忧郁绵长又充满抗争的激情,这些歌曲使影片在塑造恐怖气氛时,相当奇特的保持了一份中国古典的文人气质,使得电影即使被认为是恐怖片也依然具有美学价值,这也是这部电影不同于其他同时期神魔鬼怪的恐怖片之处吧。
激进的批评者往往认为马徐维邦在国家危亡之时脱离于社会现实之外,创作的《夜半歌声》就是其淡漠态度的代表,因此电影与导演本人引起了很大争议。其实在影片的观看过程中,我们会发现潜隐在恐怖外壳中的,是一段痛楚的关于年代的记忆:恶霸实力隐喻着当时的侵略者,而小霞的父亲则被置于国内封建势力的位置上,真挚的爱情和宋丹萍的面孔被联合摧毁,似乎预示着国内悲惨的境况,最后玉石俱焚的结局成为了创作者压抑情感的发泄,也是对新的秩序的期望。
由于时代条件所限,严格说来1937年拍摄的《夜半歌声》在今天看来简直颇具喜剧色彩:演员还没有走出舞台戏剧的表演方式,说起台词来字正腔圆十分滑稽,动作僵硬死板,尤其是女主角不是呆滞就是激动过了头,让人无限缅怀同时代阮玲玉的精湛演技:个别演员造型如老仆夸张到了离谱的地步,难逃制造噱头之嫌;拍摄技术和设备的缺陷,使当年动听的歌曲现在听来变了调,画面也过分偏暗,再加上电影的缓慢节奏,视觉与听觉享受成了奢谈…不过考虑到年代因素,这些缺陷就不必苛责了。

《夜半歌声》之于中国恐怖片的意义,不仅在于向西洋恐怖片、怪兽片学到了一种商业模式.还在于它捕捉到了某种关于人的、深沉而忧郁的气质,传承了中国传统的阴郁恐怖氛围营造和“恐怖美学特色”,用影像的方式呈现了独具中国世俗性和民间性悲剧精神和符合中国传统凄婉含蓄审美习惯的恐怖经典。 ——王斌
                             
  相比之下,1995年于仁泰重拍的《夜半歌声》就是彻底的爱情电影了,它弱化了老版本的恐惧元素,社会批判更是基本不存在了,生死不渝的爱情成为绝对主角,被偶像兼具实力的演员诠释的精到感人,布景更为华美,演员造型也更加到位自然。其中张国荣的表演非常精彩,由他演绎的毁容后的宋丹萍与其说是残缺的容貌让人害怕,还不如说是他复杂阴霾的眼神令人感到震撼。
由于侧重点的改变,故事也作出了相应调整,1937年版的黑暗结局被换成了一个可称为美好的结尾——宋丹萍和云嫣坐着马车离去,与老版的天人永隔相比,此时死在对方怀里已经算是幸福的了。大量的歌曲仍然贯穿全篇,张国荣等人演唱的《深情相拥》《一辈子失去了你》等歌曲比老版好听得多,演唱者也更富有感情。不过歌曲虽然因为缠绵悱恻感人肺腑而脍炙人口,电影本身却只能称得上是中规中矩的爱情片,不及老版的历史意义厚重了。

  自从马徐维邦创作了这部《夜半歌声》,至今重拍此题材的电视电影已有4部,除了于仁泰还有杨延晋1985年的电影版本和黄磊的2005年电视剧版本,美国的《歌剧魅影》也前前后后拍摄了五版。这个最初的恐怖片在不断的翻新中成为了爱情片,娱乐性也不断增强。不说电影,仅仅是这么一个故事被搬上这么多次大银幕,本身也算得上一段传奇。
 

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新华影业 马徐维邦 (“中国的希区柯克”)擅长编导恐怖片和爱情悲剧片 1937 二十世纪三四十年代商业类型片典范 以反封建反自由有主题 歌颂纯洁美好的爱情和友情 在创作上具有异常明显的类型片创作思路,借鉴美国好莱坞手法,结合中国本土的文化氛围和观众趣味进行富有个性的创造 在艺术上受德国早期表现主义电影影响

开场镜头凝练有力的奠定全片诡异恐怖的风格基调

叙事空间基本以宋丹萍毁容后藏身隐匿地戏院为核心空间 以爱情传奇悲剧为基础的恐怖气氛营造与推进是本片最大的看点,马徐非常成功地营造了恐怖悬疑的气氛 声音技术的掌握以及相对成熟的运用也发挥了很大作用

马徐还将中国传统古典诗词营造意境,借景抒情的手法结合在一起达到了非常好的视听复合效果

标志着恐怖片作为一个类型在中国影坛被确立

另类的营销手段

 6 ) 《一曲悲歌难忘君》

第一次听说电影《夜半歌声》是在我上小学时,74年,家母因事得去河南的平顶山呆上一段时间,就让我在武汉工作的小姨那过暑假。那时小姨还是个姑娘,就带了我住在集体宿舍,当时有位很会讲故事的小阿姨,是她们一向推崇的故事高手,在晚饭、洗漱后,就在门前的树荫下以听她讲故事来渡过武汉那著名的悠长而闷热的夜晚。这位小阿姨的故事也真是叫多,不论是什么都能让她讲的有声有色,我们听的是津津有味。她的故事来源很杂,有世界文学,史学名著,有中外老电影,还有当时盛行的,在青年人中流行的手抄本。在我日后长大点后,有了阅读的爱好后,才能依稀地在回忆中分辩出她所讲的那些故事的原始之源。其中印象最深就是这部《夜半歌声》,《夜半歌声》被称为“中国最早的惊悚片”,据说当年公映时吓死过观众。现在看来这位修养颇高的小阿姨无疑是位音乐爱好者,她虽没唱这部电影的主题曲,却很在描述这首主题曲的音像画面时,真可谓是绘声绘色,吓得几个胆小的小阿姨一个劲直骂她死鬼。可以说,正是因她的这番极其出色的,独具特色的表述,那影片恐怖的氛围极其成功的感染了我,虽也在当时吓得个半死,以致过后的几日在朗朗睛空下偶尔看到路边草丛中有蛇出行,立刻想起那小阿姨所言的,歌声一起,那在深夜水边草丛中,在惨白月色下慢慢爬行的花蛇,顿时不由毛骨耸然。正因为恐惧,反倒对这歌产生了浓厚的兴趣。 80年代初,在湖北阳新的军垦农场进行测图工作时,意外地发现农场商店竟有一盒三十年代的电影歌曲精选的录音带,上面就收了这首插曲,并特别声明是原声原唱。那盒录音带要价6元,但对当时月薪才三十多元的我来说也足让我犹豫了数日之久,最后是在临离开此地时咬咬牙找人借钱买下了这盒录音带。这盒出版社不明,用现在的眼光来看,此带纯属盗版无疑,但所收录的曲目,首首是三十年代有名的电影金曲,其中那首《夜半歌声》。现在我在听过多种不同的演绎版本后回忆起来,能肯定的就是盛家伦原唱的版本,音响效果极差,记得歌声响起时,我们就坐在那秋风乍起的湖畔,月色惨淡,满目苍茫的烟气弥漫在天地间,几簇树丛,几丛芦苇,远远的港湾上横了一歪歪的小木板桥。我们无以反顾地沉浸在那沙沙的岁月之声里细听,时断时续的歌声悠扬、委婉、凄厉、悲怆,几只被惊起的夜鸟的双翅扇起冷风果真气氛诡异,魅影重重,一叹三咏,肝肠寸断。 上海电影制片厂也曾于1985年大张旗鼓地重拍过此版,音响效果和画面质量有了质的提高,但那被删改的仅有二分来钟的主题曲,让张建一那纯正的美声唱出来,多了许华丽,少了沧桑,更不敢谈诡异。在我的印象中似乎就不属于真正的《夜半歌声》。

1995年,著名香港演员张国荣又重重拍了这部电影,张国荣本人就是位有名的歌手,他亲自演唱的港版《夜半歌声》的主题曲,更是重新起炉换灶,在当时的青年人中却是传唱一时,却是与原版的《夜半歌声》更没了一点半系了。 前些年,在无聊之际翻看了些闲书,着重地了解了一番在历史上名显一时的“二流堂”的来龙去脉,意外地了解到原唱者盛家伦的一些日常生活点滴,不由让我破颜开怀,此公真乃是一等宝物,很是对我的脾气。这位盛家伦先生(1911-1957),广东中山人,作曲家,因病盛年早逝。从吴祖光笔下的回忆看来,盛家伦是个颇为特别的人:“盛家伦学贯中西、堂堂一表,永远西装笔挺,打着领带……他是个鲁男子,只有男朋友。对于女性,他从来无动于衷,多少个好事者、好奇者热心地为他作过介绍配偶的努力,但都以失败告终……他在高兴时喜欢吹口哨,吹得十分轻盈、流动,很好听。” 此公一生未婚,唯爱,书,吃,史。留下了不少佳话让后人一窥名士派头与丰彩。据说虞静子有一次请他吃饭,她烧了一只鸡,大家都吃得很有味,盛家伦吃了一口,立刻吐出来:“死鸡。”那鸡果然是死后再加工的,这不免使大家感到惊讶和叹服。

在上海的时候,有位年轻的女实事业家,对他狂热地单恋,约他参加舞会、看戏,甚至听音乐会,他都是一个“不”字。后来知道了诀窍,叫了一桌丰盛的酒席,只请他一个人。他来了,二话不说,举箸便吃,但只是蜻蜓点水似地吃了一下。吃毕,他开了口:“嗯,不错,营养够了。”拿起大衣,拜拜。后面一个娇嗲的声音追来:“家伦呀,家伦呀!”他很客气地加了两句:“再见,再见。”

他除了吃美食,议论天下大事,以及一些非常必要的事花时间之外,他所有时间都用在看书。重庆的夏天,就像蹲在大火炉旁,人们都找个阴凉的去处。一次他全身脱光仅留一条三角裤,靠在“炕”上看书,他似乎看得入迷了,有个女明星进来,他没有发觉。女明星坐在他身边,他还是不知道。女明星用手轻轻地在他的滑如凝脂、柔若无骨的胴体上抚摸着,他仍未感觉到,一直到读完一篇,他突然放下书,瞪着眼睛,全身登时白中带青从上往下直至脸上,倏地变成玫瑰色,同时用高亢的声音河道:“干什么!干什么!”女明星一惊,花容失色,捂着脸抽噎着飞奔出门。

最让人捧腹不止的则是,这位爱书的盛先生在书上的秩事。盛家伦爱书如命,在几经颠沛流离之后,回在北京那个被叫做“二流堂”的楼上数百尺的房间里,全是堆积如山的书籍,更不要说他在抗战前的藏书了。那时他不光买、借、拿、看、竟然还偷。上海南京东路沙逊大厦楼下有一家洋人的大书店,他可以站在书架前看一整天,站得太累而觉得书又太可爱,爱不释手,他便把书带回家,美曰其名为;带回家去看。当时有一说:“偷书不算贼”。有一回,他遇到一个书呆子、穷教员,胆子太小,不敢下手。在他怏怏地走出书店大门时,家伦把他不敢下手的那册洋书塞在他手里,那人对神偷手的感激之情是目瞪口呆,一句话也说不出来。

此公一生唯为这部1937年版的《夜半歌声》配唱过这么一首插曲。也是现在仅存的唯一录音资料。查找了一些资料照片细观,倒也可称为儒雅魁伟的奇男子。倾听他这唯一的录音,再联想到他活灵活现地生存在同龄者的记忆中,那样的生动,这种长存也足让我们这些后辈不由为之感叹,感慨不止。

 短评

革命文艺爱情恐怖片。作为中国版歌剧魅影式故事的滥觞具有一定的影史资料价值。就作品本身而言,节奏较为混乱,表演太过戏剧化,宣教痕迹太重,难为今日观众所喜。喜欢的台词:难道我的革命事业被发现了?不,是我们的事被发现了;我来请你已经是看得起你的人格了;我靠,我靠我的……

6分钟前
  • 江湖遠人
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表现主义风格左翼男男版歌剧魅影+基督山伯爵[呵呵你就鬼扯吧= = 结尾有联想到大都会

8分钟前
  • Steamed Punk
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非常西方古典悲剧味道 不管是小霞衣服的褶皱还是背后柱式庭院都很古代希腊风格 中间还插了一段极其美妙的古典吉他 还有一开场雷斯庇基的古典风格舞曲 看得出马徐维邦审美很西方 部分窗户镜头以及详略像支线但表达像主线的青年运动倒是很本土 不过结合起来真的裂隙蛮大 不是太成熟的作品 冼星海作曲的是那个《热血》?不咋出彩 片子音乐铺的也太满 生搬中西 不少桥段蛮生硬的 最后桥段宋丹萍的bgm是G弦上的咏叹调(?) 也感觉不咋搭...表现主义的风格不大纯粹 构图自成一派还是蛮令我惊讶

11分钟前
  • 番茄杀手
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主要设计是加了革命线进去,但是整体还是不行的,分都加在对于中国电影的历史意义上。

14分钟前
  • 鬼腳七
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全片夜戏占八九成,偏偏画面对比度极差,几乎就是一片黑里间或出现一张白脸,细节完全看不清,恐怖就更谈不上了,表现主义如今看来很搞笑,尤其是让一帮咬舌子还有口音的演员诗朗诵一样的革命念白,太喜感了,我忍不住录了几段

19分钟前
  • 走马
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纵使粗糙,马徐维邦仍为中国电影开创了一个新类型,而本片的化妆、布景等在同时期作品中都有着里程碑式突破,即使它的恐怖程度被这个个人复仇故事削弱不少,以及受意识形态和当局政策制约只得戴着镣铐跳舞,但给我的震撼依然比肩《诺斯费拉图》。现在言不恐怖,穿越到80年前坐在电影院看这部片试试。

24分钟前
  • 柯里昂
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麻麻小时候在电影院看过,说看完不敢一个人回家,所以选择了白天观看,尽管有心理准备,毁容后的形象还是给吓的差点把小电推到地上。。。。ANYWAY除了吓人剧情内涵神马的就乏善足陈了。。。。

27分钟前
  • DuoDuo🐿️
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镜头剪辑叙事的技巧略显初级,也较拖沓,到后半段明显要好一些,其实剪到90分钟左右会更合适。男主革命党的设定加的不够自然,显得是硬添上去,拿掉后根本不影响剧情,限于当时年代需要要有口号宣传。

32分钟前
  • 十一伏特
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化妆和灯光有点表现主义,台词有点好笑,腔调有点让人看不下去,但总体是OK的

35分钟前
  • yanagi是只
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號稱中國影史第一部恐怖片,看得出來受德國表現主義影響很深。表面用愛情來包裝,裡子卻是政宣電影,坑爹啊!還有那鐘樓怪人,該不會就是他嚇死了人吧...

36分钟前
  • 雨果
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看完1995年张国荣主演版,再来看看1937年马徐维邦导演版。虽然以我现在的眼光来看,这部电影拍摄挺粗糙、也没那么“恐怖”(毁容后的宋丹萍露真相时,颇有些《象人》的感觉),但偶尔看下这样的黑白老片也别有一番滋味。—— 孙小鸥对李晓霞说:“(宋丹萍)他现在被汤俊打死了……”应该是演员说错台词了,原话应该是:“(宋丹萍)他现在把汤俊打死了……” —— 孙小欧:李小姐,过去已经过去了,同时,丹萍的牺牲给了我们极大的教训,我们就应该更加努力去奋斗,打破这黑暗的势力,为大众来争取自由,完成丹萍一生未了的志愿。

37分钟前
  • Panda的影音
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其实就是中国版的卡西莫多 但竟然还能听到萨蒂 巴赫他们的曲子 很意外 不过霞妹这个人物还是很有震撼力的 3.5

41分钟前
  • 南方♪
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德国表现主义

46分钟前
  • 一灯
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表现主义电影中国化的杰作,国产CULT片之始,甩开于仁泰版本好几条街

49分钟前
  • 大灰狼
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还可以么,少了浪漫主义,多了geming色彩:)

53分钟前
  • 冰点之1234
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被汤俊迫害的戏子宋丹萍,硝酸水毁了容,躲入破园一躲便是十年,十年后,晓霞还在盼着丹萍,丹萍还在夜夜高歌,是思念,是苦楚让他人鬼不分,而汤俊还在强拆鸳鸯,本片之吓人,一是映在墙上的巨大黑影,一是金山糊着烂泥的面庞。

57分钟前
  • 醉梦·聊生
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剧本是真的牛掰,难怪后面翻拍了两次。宋丹萍与李晓霞这一堆苦命鸳鸯被恶霸汤俊活活拆散,人鬼两隔,谁知道多年后孙小欧的出现,让宋丹萍找到了替身,却不知又是一个痛苦轮回。最终剧情的导向并不是简单的复仇,而是上升到了一个新的高度,从恶霸猖狂致人间如鬼域来反应出这世间的险恶,唯有革命,彻底改变社会的经济基础和上层建筑,才能扫清魑魅魍魉,还浊世清净,否则宋丹萍的悲剧轮回将会不断发生。马徐维邦只此一部电影为人称道,其他片子大多追求形式恐怖,没有扎实剧本,多为失败之作。这部电影的剧本是找了田汉来,田汉作了一次彻底的修改,才有这般效果。马徐维邦潦倒一生,可若没田汉相助,恐怕很容易淹没在民国导演之中。因此,一个导演若没有深厚的编剧功底,技术再强,也是枉然。剧本永远是电影核心,其他不过相辅相成。

1小时前
  • 小袁同学
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“马徐维邦运用诡异乖张的视觉影像,效法西方恐怖片手法,拍出了极尽恐怖妖异的气氛。影片有明显的德国表现主义痕迹,擅以音乐配合电影节奏,烘托气氛,用光尤其高明。尤其是影片中的高潮戏,女主角得知男主角已死后,运用颠倒错乱的运镜、变焦和剪辑,拼合成一部黑暗的华彩乐意,在当时极具革命性。”

1小时前
  • 枫林挽秋
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糙得很,节奏缓慢,表演生硬,滥用音乐。确实不甚恐怖而是一个左翼电影“革命加爱情”式的故事,也并没有特别使用表现主义式的布光。某些主观镜的使用还是有些电影化意味的。重要之处在于1)类型片尝试,2)那些社会文化含义。

1小时前
  • 胤祥
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左翼表现主义。尤以构图、角度、场景而言,非常明显的“德国表现主义”手法。结构太戏剧舞台化,文本简单而炽热,是那个时代对自由爱情的歌颂。剧本归功于田汉的改编,在音乐方面,马徐维邦找来冼星海担纲作曲,使得本片的三首插曲《夜半歌声》、《热血》和《黄河之恋》都传唱一时。在1937年,自然难免粗糙,但影史留名,在上海创下连映34天场场爆满的记录。《夜半歌声》标志着恐怖片作为一种类型电影正式登上了中国电影之林。应当说,从《夜半歌声》开始,恐怖片才真正作为一个类型在中国影坛被确立了。7.6

1小时前
  • 巴喆
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